Carlos Boyero (El País): “Ni El gran Gatsby ni Scott Fitzgerald se merecían esto”. Sergi Sánchez (Fotogramas): “Luhrmann ha sido inmensamente fiel al lirismo decadente de la prosa de F. Scott Fitzgerald”. Así de contradictorias están siendo las primeras críticas a la nueva versión del clásico de la literatura americana que, desde este viernes, ya se puede ver en las salas españolas. Tras su pase en Cannes, parecía que las opiniones negativas ganaban por goleada, pero en las últimas horas están apareciendo bastantes voces defensoras del nuevo circo de tres pistas del director de Moulin Rouge.

Nosotros, como de costumbre, preferimos huir de las reacciones más inmediatas y repasar las adaptaciones que se han hecho hasta la fecha de un libro que cuando se editó en 1924 (y aquí encontramos un nuevo motivo para mirar las cosas con perspectiva) fue un sonoro fracaso, hasta el punto de que Scott Fitzgerald murió en 1940 sin sospechar la repercusión que tendría su obra para las generaciones futuras.

El gran Gatsby (1926), de Herbert Brenon

Primera adaptación (muda) de la novela y uno de los más famosos ejemplos de cine perdido, ya que no se conserva ni una sola copia del filme (únicamente el trailer que adjuntamos bajo estas líneas). Los que critican que en la versión de Luhrmann se le dé demasiada importancia a las fiestas, deberían saber que en esta película (adaptación a su vez de una pieza teatral escrita por Owen Davis y dirigida por George Cukor) el peso de esa parte era inmensamente mayor, ya que fue concebida como un producto destinado al mero entretenimiento.

Pinche aquí para ver el vídeo

El gran Gatsby (1949), de Elliott Nugent

Es posible que las adaptaciones al cine de El gran Gatsby estén a bastante distancia, en cuanto a valor artístico se refiere, del texto en el que se inspiran. Sin embargo, hay que reconocer a los impulsores de cada una de ellas su buen ojo para escoger al actor principal. Si Redford y Di Caprio son decisiones muy acertadas, lo mismo ocurre con el también rubio Alan Ladd, protagonista de una película que, sin estar realmente desaparecida, como la versión de 1926, sí que ha tenido una muy reducida distribución. De nuevo, la historia evita las honduras del original y se centra más en la trama criminal, como podemos ver en este video en el que Jay Gatsby llega a aparecer pistola en mano.

Pinche aquí para ver el vídeo

El gran Gatsby (1974), de Jack Clayton

La adaptación que todos teníamos en mente hasta el estreno de la de Luhrmann, un filme académico, muy reposado (rozando la frialdad) y lleno de elipsis (la escena del atropello, por ejemplo) que se sitúa en las antípodas de la versión de 2013 en cuanto a explicitud y ritmo cinematográfico (prueben a ver la una detrás de la otra, como hemos hecho nosotros, y verán el contraste).

Otro grande de la literatura, Truman Capote, fue el encargado de escribir el primer borrador del guión, pero el texto no convenció a la Paramount  y se decidió encargar una nueva versión a Francis Ford Coppola. El director americano, que estaba a punto de estrenar El Padrino, escribió el que sería su último guión de encargo en sólo tres semanas, tal vez inspirado por el nombre de la habitación en que estaba alojado en París: Oscar Wilde.

A modo de anécdota, destacar que el papel de hija de Daisy Buchanan lo interpreta una jovencísima  Patsy Kensit (6 añitos).

Pinche aquí para ver el vídeo

El gran Gatsby (2000), de Robert Markowitz

Una co-producción anglo-americana para la televisión sin mucha historia. Toby Stephens y Mira Sorvino interpretan los papeles principales, mientras que Paul Rudd encarna a Nick Carraway.

Pinche aquí para ver el vídeo

El gran Gatsby (2000), de Baz Luhrmann

Baz Luhrman se lleva el clásico a su terreno en un proyecto que empezó a gestar hace diez años mientras viajaba en tren a Siberia. El propio Coppola, amigo de Luhrmann, colaboró con él y con Craig Pearce en la construcción de un guión que utiliza la escritura de un libro sobre Gatsby por parte de Nick Carroway como hilo conductor. Como era de esperar, en la película hay mucha fiesta y mucho lujo (con un product placement de Moët & Chandon más que evidente), sin embargo, no es ni mucho menos un  Moulin Rouge, hasta el punto de que la parte dramática, sobre todo en el tramo final, tiene mucha más importancia. Con una textura casi de videojuego (ese mar, esos fuegos artificiales, ese Valle de las Cenizas visto desde arriba…), Luhrmann opta por el 3D inspirado, paradójicamente, no por filmes de acción como  Avatar o Los vengadores, sino por un clásico de Hitchcock: Crimen perfecto.

Mención aparte merece la banda sonora, pero ese apartado mejor se lo dejamos a los expertos. Notas de cine emitió un estupendo reportaje sobre el tema en su programa de la semana pasada.

Diego Soto

Ya está en las pantallas españolas The Lords of Salem, pelicula dirigida por el cantante y cineasta Rob Zombie. El filme cuenta la historia de una locutora de radio que recibe un vinilo con una extraña música, y está protagonizada por Sheri Moon Zombie, esposa y musa de este entusiasta del cine de terror que, curiosamente, en esta ocasión no ejerce como compositor de la banda sonora. Esta tarea se reparte entre Griffin Boice y John 5, ex-guitarrista de Marilyn Manson.

Un año más, el próximo día 28 de junio, se celebrará el Día del Orgullo Gay, una jornada en donde se reivindica la libertad sexual y la tolerancia y se denuncian los prejuicios todavía existentes en la sociedad contra gays, lesbianas y transexuales.

TCM quiere participar en esta celebración emitiendo, durante toda la jornada, películas que tratan de forma abierta la temática gay, como Juego de lágrimas; otras en donde está claramente presente, como La gata sobre el tejado de zinc, y algunas más en las que, por culpa de la censura, la homosexualidad aparece de forma clandestina, casi imperceptible, como en El halcón maltés.

Para completar esta programación tan especial TCM emitirá El celuloide oculto, un documental dirigido por Rob Epstein y Jeffrey Friedman que analiza cómo el cine de Hollywood ha presentado a gays y lesbianas a lo largo de toda la historia, sobre todo a partir de 1934, cuando se implantó el código Hays, una serie de normas de autocensura que asumieron los estudios para determinar lo que moralmente podía aparecer o no en una película. Desde entonces, y hasta bien entrada la década de los sesenta, las alusiones directas a la homosexualidad fueron suprimidas. Sin embargo, en muchos largometrajes estas insinuaciones permanecieron de manera muy sutil, burlando así la tijera de los inquisidores.

Viernes 28 de Junio

4:10 Rebelde sin causa (Rebel Without A Cause, 1955)

6:00 El halcón maltés (The Maltese Falcon, 1941)

7:40 La fiera de mi niña (Bringing up baby, 1938)

9:25 La gata sobre el tejado de zinc (Cat on a Hot Tin Roof, 1958)

11:10 De repente, el último verano (Suddenly, last summer, 1959)

13:00 El expreso de medianoche (Midnight Express, 1978)

15:00 Hairspray, fiebre de los 60 (Hairspray, 1988)

16:30 Poison (Veneno) (Poison, 1991)

17:55 Juego de lágrimas (The Crying Game, 1992)

19:50 Mi nombre es Harvey Milk (Milk, 2008)

22:00 El celuloide oculto (The Celulloid Closet, 1995)

Ahora que estamos en los días iniciales de Cannes, resulta más que pertinente (sobre todo para aquellos que no tenemos la suerte de estar en La Croisette) disfrutar de una de las mejores películas que han pasado por el festival durante los últimos años. Nos referimos a Deseando amar, de Wong Kar-Wai, un filme que podremos ver la noche de este jueves 16 a las 22:30 en TCM Autor y que se llevó dos premios en el certamen francés del año 2000: uno al mejor actor (Tony Leung) y otro al apartado técnico (compartido por sus dos directores de fotografía: Christopher Doyle y Mark Lee Ping Bing).

La película, un arrebatador poema sobre el amor y la soledad con una banda sonora para el recuerdo (ese tema principal de Shigeru Umebayashi y esas versiones de Nat King Cole…) marcó el punto más alto en la carrera de un director que, a partir de entonces, sería conocido por dos cosas: por un lado, su gusto por la narración visual y el detallismo a nivel estético, y por otro (y de esto vamos a hablar ahora), sus problemas para entregar a tiempo las películas a los festivales.

Según cuenta el realizador en el DVD editado por Criterion, Gilles Jacob, por entonces presidente del Festival de Cannes, invitó a Wong Kar-Wai a presentar su película en la primera edición del certamen del siglo XXI. El director aceptó, pero, según reconoce él mismo, no por el prestigio, sino porque así tendría una fecha en la que dar por finiquitada la obra. “Si no tengo un día de entrega, podría estar rodando eternamente”, reconoce medio en broma, medio en serio el autor asiático, un realizador que siempre ha preferido guiarse más por la fuerza de las imágenes que por el guión convencional.

Siguiendo su costumbre, el director se lo tomó con calma y el rodaje se desarrolló durante más de 15 meses en distintas localizaciones (Hong Kong, Bangkok…), algo que en principio no debería haber supuesto ningún problema si no fuera porque, a una semana del estreno en Cannes, ¡Wong Kar-Wai aún estaba rodando planos en Camboya! Afortunadamente, el realizador ya había ido trabajando en el montaje y, el último día del festival, se presentó en Cannes con la película bajo el brazo (la víspera de la proyección, la copia aún estaba en París).

Huelga decir que los actores y otros miembros del equipo no tenían ni la más remota idea de cuál había sido el resultado final, y que incluso el mismo Wong Kar-Wai no había tenido tiempo de verla con tranquilidad. De hecho, durante el proceso apenas había pensado en el título para el mercado internacional . El propio Gilles Jacob le confesó que el que había elegido a modo provisional (Secrets) era demasiado genérico, y Wong Kar-Wai, inspirándose en una canción de Bryan Ferry, decidió cambiarlo por In the Mood for Love.

Como muchos sabréis, Wong Kar-Wai no escarmentó y, tres años después, volvió a retrasarse con 2046, aunque esta vez de forma más grave. La película llegó tan tarde que tuvo que alterarse la programación y el montaje que se vio resultó además ser provisional. Es lo que tiene el exceso de detallismo.

Pinche aquí para ver el vídeo

Diego Soto

En sus películas lo hemos visto engordar, adelgazar y envejecer. Fuera cual fuera la caracterización, su rostro llenaba la pantalla. Pero, ¿cómo era Orson Welles detrás de la cámara? ¿Qué hacía o cómo se comportaba durante sus rodajes? Aprovechando el ciclo que le dedicamos este mes, hemos seleccionado algunas instantáneas que pueden ayudar a descubrirlo.

Notas de cine recuerda la película Ha nacido una estrella, la versión que en 1954 dirigió George Cukor y protagonizó Judy Garland. El primer montaje del filme duraba la friolera de 196 minutos, y la productora decidió dejarla en dos horas y media, un recorte que no afectó a la buenísima acogida que tuvo entre la crítica y el público. Pese al éxito de este musical, y contra todo pronóstico, Grace Kelly (La angustia de vivir) le arrebató el Oscar a Garland por sólo seis votos de diferencia. Días después, Groucho Marx llamaría a la actriz perdedora para confesarle que la decisión de la Academia le había parecido “un robo”.

La novia de Frankenstein, Robin de los bosques, Ninotchka, Perdición, Solo ante el peligro, Con faldas y a lo loco, Casablanca… Todos estos títulos figuran entre las mejores y más grandes películas que nacieron en la época dorada del Hollywood clásico, entre los años 30 y 60 del siglo XX, pero tienen además una característica en común: en todas ellas intervinieron actores, directores o músicos que se establecieron en Los Ángeles huyendo del régimen nazi y de la persecución a las judíos que se desató en Europa antes y durante la Segunda Guerra Mundial. La meca del cine fue, por tanto, su refugio y el lugar en donde pudieron desarrollar libremente su enorme talento.

Este es el tema central que analiza y desarrolla el documental Exiliados: de Hitler a Hollywood, un filme dirigido por Karen Thomas y narrado por Sigourney Weaver, que TCM emite el domingo 19 de mayo y en el que se repasa la odisea que vivieron estos cineastas centroeuropeos y su gran contribución a la industria norteamericana.

Se calcula que más de 800 artistas relacionados con el cine tuvieron que emigrar forzosamente desde Alemania a Estados Unidos a partir de los años 30, coincidiendo con el ascenso al poder de Adolf Hitler. Actores como Peter Lorre; directores como Billy Wilder, Otto Preminger, Fred Zinnemann o Robert Siodmak; músicos como Erich Korngold, decoradores, guionistas, operadores de cámara… Prácticamente todas las ramas de la producción cinematográfica se nutrieron de la aportación de centenares de profesionales que llegaron del otro lado del océano.

Como recuerda el documental, durante los años 20 se vivió la década dorada de la cinematografía alemana. Películas como El gabinete del doctor Caligari  demuestran la calidad, pujanza e inventiva que tenía en esa época el cine germano. Gracias al trabajo del productor Erich Pommer al frente de los estudios UFA, se dieron a conocer nombres como Ernst Lubitsch o Fritz Lang, el director de Metrópolis, un filme que, curiosamente, era uno de los preferidos de Hitler. Títulos como El ángel azul lanzaron internacionalmente a estrellas como Marlene Dietrich y películas como Asfalto, dirigida por Joe May, anticiparon toda la estética del cine negro que posteriormente se desarrolló en Hollywood.

A partir de 1933, con la llegada de Adolf Hitler, la mayoría de los cineastas de origen judío fueron despedidos de sus trabajos. Comenzó así un largo y doloroso periplo para muchos de ellos. París fue una primera escala para guionistas y directores como Billy Wilder, los hermanos Robert y Curt Siodmak o el compositor Frederick Hollander que, posteriormente, se trasladarían a Hollywood.

Sin embargo su incorporación a la industria norteamericana no fue nada fácil. El documental cuenta las dificultades que tuvo un director tan meticuloso como Fritz Lang para adaptarse al sistema de estudios. Joe May, otro de los grandes pioneros del cine alemán, realizó con poco éxito Music in the Air con Gloria Swanson. Más suerte tuvo el compositor Franz Waxman, que en 1935 triunfó con su partitura de La novia de Frankenstein.

Una vez en Hollywood, estos exiliados se ayudaron unos a otros recaudando dinero para que familiares y amigos pudieran escapar de Alemania. Cuando estalló la guerra, algunos de ellos, como Peter Lorre y Michael Curtiz, trabajaron en películas de propaganda bélica, claramente antinazis, como la mítica Casablanca.

Para completar este estreno, a lo largo de toda la jornada se emitirán algunos de los títulos con los que hemos abierto este post. Media docena de grandes películas que dan una idea del peso cinematográfico y cultural que esta particular colonia de cineastas centroeuropeos tuvo en la industria de Hollywood.

Pinche aquí para ver el vídeo

Esta semana Notas de cine conversa con el joven músico Óscar Navarro, que debuta en el mundo del cine con la película La mula, protagonizada por Mario Casas y María Valverde. Aparte de describir el proceso creativo que siguió para componer esta banda sonora, que requería piezas de tonos muy diferentes (drama, comedia…) , Navarro nos confiesa lo largos que se le han hecho los años transcurridos entre el rodaje (2009) y el estreno del proyecto, del que su director, Michael Radford, se apeó en el último momento.

Desde ayer, venimos recordando en esta web y en este blog a la gran figura del doblaje español más reciente, Constantino Romero, un actor cuya cavernosa voz suena en numerosas ocasiones en nuestro canal.  Sin embargo, recopilando sus mejores trabajos, hemos caído en la cuenta de que hemos cometido una pequeña injusticia con el otro gran monstruo de la interpretación española que nos acaba de dejar. Nos referimos por supuesto a Alfredo Landa, un hombre también con dilatada experiencia en el mundo del doblaje  y cuya voz (como lo oyen) también se escucha a veces en TCM.

De acuerdo con la ficha póstuma del actor que han elaborado en el portal El doblaje (el más conocido de la profesión) la voz de Landa sonó en el canal, por ejemplo, los pasados días 8 y 12 de mayo, ya que el actor navarro dobló algunas escenas sueltas de Cantinflas en  La vuelta al mundo en 80 días (1956). Esta película, rodada en parte en España, también supuso su debut físico en el cine, aunque en el invisible papel de extra.

Ese mismo año, Alfredo Landa doblaría también un pequeño personaje en una película que podremos ver en el canal el 15 y 17 de mayo: Gigante. En el drama de George Stevens, el actor navarro interpreta a un personaje llamado Vern Decker, protagonizado por George Dunn (que ni siquiera aparece en los créditos).

Tal y como reconoció en más de una ocasión, Alfredo Landa entró en el cine a través del doblaje y, además de en los títulos que acabamos de destacar, participó (casi siempre con pequeños papeles) en películas como El largo y cálido verano, Gigi, Rocco y sus hermanos o 55 días en Pekin, una de sus intervenciones más comentadas (ponía voz al Príncipe Tuan). Como era habitual hace unos años, Landa también se dobló a sí mismo en muchos de sus trabajos más famosas:  El crack, Los santos inocentes, etc.

Diego Soto

En lo que al dinero se refiere, poco tenían que ver el Orson Welles que interpretaba a Gregory Arkadin -el protagonista de Mister Arkadin, y uno de los hombres más ricos del mundo- con la verdadera situación económica que vivía el director y actor.

En esta ocasión, Welles encontró en su amigo y mentor político Louis Dolivet la financiación que necesitaba para su nueva aventura cinematográfica. Sin embargo, esta alianza no evitó que el director lidiase de nuevo con una falta de recursos motivada por la eterna búsqueda de autonomía en su obra. Rodada en media Europa junto a la que se convertiría en su tercera esposa (Paola Mori, su hija en el filme), con medios improvisados durante ocho meses -de enero a agosto de 1954-, este proyecto puso a prueba la hasta entonces inquebrantable amistad de Welles y Dolivet. Este le acusaba de modificar el guion en demasiadas ocasiones y de no respetar los plazos de producción para disponer de un actor o actriz. Debido a todas esas disputas y al verse obligado a vender partes del filme a distintas distribuidoras de diferentes nacionalidades para financiar la continuidad del rodaje, las copias que Welles monta a lo largo y ancho de Europa se convierten en una suerte de rehenes abandonados a manos de coproductores españoles, ingleses, franceses y suizos. Preocupados por recuperar su dinero, todas las distribuidoras acaban por poner en circulación, cada cual en su zona de influencia, una versión provisional de Mister Arkadin. Así, a partir de 1955, fecha del primer estreno en Gran Bretaña, se cuentan al menos siete versiones distintas del filme, también bautizado como Confidential report. Por tanto, después de varias décadas, cada distribuidor acabó teniendo una opinión diferente respecto al título, el metraje y el montaje, cuya duración oscila entre los 96 y los 105 minutos. Una consecuencia que, en el fondo, es tan solo el pico del iceberg de todas las adversidades que el concienzudo Orson Welles tuvo que superar para conseguir estrenar al fin esta película en las salas estadounidenses.

Mister Arkadin (1955), sábado 18 de mayo a las 20.25h en TCM