Estado crítico

La antena

2008-05-12T21:24:15+00:00

PUNTUACIÓN: 5 ¿Conocéis el cine de Guy Maddin? Los del festival de Sitges le dedicaron una retrospectiva hace creo que diez años y puntualmente seleccionan sus películas para alguna de sus secciones, oficiales o paralelas. En España, tan adelantados como siempre, no se ha estrenado comercialmente ni una sola de sus obras. La antena es una imitación algo precaria del cine de Guy Maddin, amante de las costumbres estéticas del cine mudo aplicadas a historias delirantes que a menudo desvelan rasgos autobiográficos de su autor y que juegan abiertamente la carta del melodrama kitsch. Digo "imitación algo precaria" porque, a pesar del esfuerzo escenográfico de Esteban Sapir, de su minuciosidad a la hora de reproducir la riqueza expresiva del estilo de Fritz Lang o Dziga Vertov, su experimento no funciona. La película cuenta la historia de un pueblo que se ha quedado sin voz y que está dominado por el Señor Televisión, magnate y dictador que controla la voluntad de sus súbditos a través de las ondas catódicas. La metáfora está servida, los modelos estéticos brillan con luz propia, pero la emoción está en otra parte. No hay alma en una película que quiere ser experimento innovador y urgente y que se queda en el experimento de laboratorio. Menos efectos de posproducción y más sentimientos auténticos.

Speed Racer

2008-05-12T07:49:51+00:00
PUNTUACIÓN: 4 Se han tomado un tripi y les ha sentado como el culo. Me refiero, claro, a los hermanos Wachowski, que han hecho de la serie anime Meteoro una película lisérgica pero enormemente aburrida. Mientras estaba viendo Speed Racer me acordaba de una leyenda, no sé si urbana, que decía que la serie Pokemon podía producir epilepsia entre sus espectadores más fieles. Estoy seguro que Speed Racer tiene efectos igualmente devastadores. Los Wachowski han optado por hacer su primera película familiar potenciando todo lo que de ingenuo y naïf tenía el anime original y añadiéndole toques cómicos particularmente desafortunados. Las intervenciones del hermano pequeño de Speed Racer y su chimpancé-mascota son lamentables. La película empieza con un prólogo discontinuo, que mezcla pasado y presente de un modo harto confuso pero visualmente convincente: las transiciones entre los dos tiempos verbales son de lo mejor de la película (aunque luego cansen por reiterativas). Los Wachowski confunden exuberancia formal con mal gusto y cromatismo digital con vulgaridad. No hablemos del argumento, porque no sabría qué decir. Sólo apuntar que los Wachowski cuelan su dudoso mensaje anticorporativista, mensaje que, a estas alturas, ya huele a muerto: su película es lo más corporativo que se ha estrenado este año. A uno le da la sensación de que, en poco tiempo, Speed Racer habrá envejecido tanto como un Commodore.

¿Dónde están las mujeres?

2008-05-12T23:32:12+00:00
Hace unos días Manohla Dargis, una de las críticas de cine del New York Times, se preguntaba por qué las mujeres han sido desterradas de las superproducciones de este verano. Escandalizada, recordaba que hace poco un directivo de la Warner se prometió a sí mismo que, después del fracaso en taquilla de Invasión y La extraña que hay en ti, no produciría ninguna película protagonizada por una mujer. Dargis se extraña de que ésta sea la situación cuando Hollywood parece estar orgulloso de haber aumentado ostensiblemente el número de mujeres que ocupan cargos de responsabilidad en la industria. Por desgracia parece que esas mujeres tienen mentalidad de hombres: es decir, piensan en el dinero como único objetivo. No puedo sino compartir la nostalgia de la Dargis cuando recuerda los tiempos en los que Sigourney Weaver fue la heroína absoluta de Alien, el octavo pasajero o Meryl Streep podía sostener el drama de una película cualquiera. El cine clásico fue el tiempo del cine negro pero también de las women's pictures. Hubo un cine (precioso, brutal) de mujeres para mujeres. Ahora la que se nos viene encima es la adaptación cinematográfica de Sexo en Nueva York. ¿Dónde están las directoras de cine? ¿Por qué creéis que la proporción entre directores y directoras está tan descompensada?

88 minutos

2008-05-08T09:00:34+00:00
PUNTUACIÓN: 1 Uno debería agradecerle a Hollywood que, de vez en cuando, le recuerde que aún es posible hacer malas películas. Me diréis: Hollywood las hace constantemente. Os respondo: no como 88 minutos. La película de Jon Avnet supera cualquier expectativa que podáis tener respecto a las malas películas: no cumple los mínimos de una película hecha con un cierto presupuesto, el guión parece escrito por un analfabeto y está interpretada (como el culo) por un elenco de actores encabezado por Al Pacino. Al: quién te ha visto y quién te ve. Autobronceado como un Julio Iglesias recién salido de un quirófano de Miami y con un peinado que parece el de Elsa Lanchester en La novia de Frankenstein, pasea su tremenda desgana por los escenarios de este patético thriller en teórico tiempo real que dura 17 minutos más de lo que promete su título. A cualquier actor en su sano juicio le habría quedado claro que una película en la que el protagonista invierte más de la mitad de su metraje en llamar a su secretaria para que investigue a posibles sospechosos (desde la decana de la facultad al más enclenque guardia de seguridad) no era una buena elección. Y sin embargo ahí está Pacino interpretando al que parece ser el peor psiquiatra forense de la historia -inexplicablemente mediático-, indiferente al hecho de tropezarse con unos cuantos cadáveres en su camino y más indiferente aún ante su inminente muerte. Hay que estar loco o en la bancarrota para aceptar un papel así.

Iron Man

2008-05-06T23:50:33+00:00
¿Qué sería de Iron Man sin Robert Downey, jr.? Lo que a priori parece una elección de casting discutible, luego felizmente se convierte en el salvavidas de la película. Porque Robert Downey, jr. hace suyo el personaje hasta tal punto que la redención de este multimillonario sin escrúpulos sea también la redención del Downey actor, ex-yonqui, ex-alcohólico y ex-rebelde sin causa. Sorprende que un actor que ha sobrepasado los cuarenta sea capaz de llevar sobre sus hombros el peso de una película de superhéroes (o de una franquicia recién estrenada). Iron Man amplía un poco los horizontes del público al que, en general, van dirigidos estos filmes: el desarrollo de la trama es inusualmente lento y el espectáculo es más contenido, por ejemplo, que el de Transformers, película a cuyo clímax final se parece un poco. Muchas de las réplicas de Downey jr. podrían ser improvisadas, y la relación que mantiene con esa maravillosa mujer florero que es su asistente personal (una Gwyneth Paltrow algo desaprovechada) tiene algo de conmovedor. Mola que Iron Man no sea un superhéroe por casualidad. No es como Peter Parker, que se transforma en Spiderman gracias a la picadura de una araña radiactiva, sino que el industrial Tony Stark no hace otra cosa que poner su genialidad tecnológica al servicio de la paz. Ser un buen superhéroe es cosa de hombres con fuerza de voluntad.

¿Quién teme a Jacques Rivette?

2008-05-05T00:06:42+00:00
PUNTUACIÓN: 8 Cualquier ocasión es buena para hablar de Jacques Rivette, y ahora hay que celebrar el estreno, aunque tardío, de su última película, La duquesa de Langeais. Es una suerte que la distribución española le haya hecho caso, al menos de un modo intermitente: de sus películas más recientes, Sécret Defense y Histoire de Marie et Julien no llegaron a nuestras pantallas pero están editadas en DVD. Cerebro en la sombra de la revista Cahiers de Cinéma, el cineasta más secreto de la Nouvelle Vague sigue en activo a los 80 años de edad, y más fiel que nunca a su proyecto estético. Aquí adapta a su admirado Balzac para contarnos una historia de amor condenada a la no correspondencia, en la que los afectos y las apariencias conspiran para ir contra los deseos de los personajes. Otra vez el teatro como cristal donde se mira el mundo: se abre el telón y aparece un flashback que es el núcleo de la película. Un teatro de interiores, que no reniega ni de sus artificios ni de sus legados literarios (esos textos que interrumpen), que es el de un universo de aristócratas decadentes y protocolos ceremoniales. La duquesa de Langeais puede parecer árida pero, al menos para quien esto suscribe, el viaje que emprende de habitación en habitación, de repetición en repetición, de Jeanne Balibar a Guillaume Depardieu, valió mucho la pena. Son los círculos viciosos del amor loco: se clonan hasta encerrar al espectador con sus víctimas. ¿Alguna peli de Rivette favorita? A ver si en TCM se animan a programarle... Por pedir que no quede.

Cosas que perdimos en el fuego

2008-05-02T16:12:43+00:00
PUNTUACIÓN: 4 Leí una crítica de Jaime Pena sobre esta película que terminaba lamentándose del daño que han hecho los guiones de Guillermo Arriaga a cierto cine comercial de qualité. ¡Cuánta razón tiene! Cosas que perdimos en el fuego es la prueba fehaciente de estos daños colaterales. ¿Cómo se explica sino la estructura discontinua (que deja de serlo cuando se le antoja) del relato? También es harto inexplicable cómo una ama de casa de lo más pija decide ayudar al mejor amigo (yonqui en proceso de rehabilitación) de su marido muerto. Se sabe que el dolor perturba el raciocinio, pero cuando Halle Berry le pregunta a Benicio del Toro qué se siente cuando te chutas y le pide un pico, a uno le entran ganas de salirse del cine. Uno también se pregunta por qué Hollywood necesita a una directora danesa, Susanne Bier, para facturar este telefilme de lujo. ¿Será porque los americanos siguen viendo a los europeos como marca de prestigio? Porque lo cierto es que tienen unos cuantos profesionales competentes que podrían haber hecho un trabajo igual de digno o falto de verdadera inspiración. Lo que nos queda es Benicio del Toro, el único que sale bien parado de este melodrama bienintencionado y milimétricamente calculado para satisfacer conciencias pequeñoburguesas.

Cobardes: ¡vaya desastre!

2008-05-06T12:38:53+00:00
PUNTUACIÓN: 2 Entiendo que el cine español haya puesto sus ojos en la televisión para buscar su público. ¿Que ahora toca hacer un episodio de Los hombres de Paco? Pues se hace y ya está. ¿Que ahora mola copiar a Física y Química? Pues venga: miramos las noticias, escribimos un guión por SMS y seguro que nos sale ajustadito, como esas piezas de tres minutos de los programas de sucesos. Cobardes intenta explicar el fenómeno del acoso escolar desde distintas perspectivas, a cual más banal. Los profes reaccionan con impotencia y tienen menos intuición que una puerta: creen a pies juntillas que uno de los líderes de la clase puede ser víctima de un pobre chico que, vaya casualidad, ha bajado su rendimiento escolar. A su vez el pobre chico tiene instintos acosadores, porque, ya se sabe, siempre hay un débil a quien fastidiar. Eso también lo saben los padres de los respectivos, que sufren el maltrato de sus jefes sin poder rechistar... Es lamentable que cada una de las secuencias de la película imponga sus tesis a los personajes, que nada surja con naturalidad de sus actitudes y comportamientos, contradiciendo ese tono costumbrista que Corbacho y Cruz parecen haber escogido para narrar su historia. El resultado es inverosímil y sensacionalista, los actores adolescentes no pueden estar peor y la puesta en escena es de lo más televisiva. En definitiva, un desastre.

Lars y una chica de verdad

2008-05-04T03:47:17+00:00
PUNTUACIÓN: 7 El punto de partida da para mucho: un tímido patológico, casi autista (son bastante graciosos, por no decir inquietantes, los feroces intentos de su cuñada para invitarle a cenar) se compra una muñeca hinchable por Internet y la trata como si fuera su novia de carne y hueso. Su delirio debe ser consensuado por su familia, sus compañeros de trabajo y los conocidos del pequeño pueblo donde viven. Lars y una chica de verdad propone un pacto de credibilidad con el espectador. Le obliga a formar parte de esa comunidad de amables vecinos que, contra todo pronóstico, le siguen la corriente al protagonista sin apenas oponer resistencia. Puede resultar algo irritante la cordialidad de la América que retrata la película; cordialidad que nos permitimos poner en duda. Sin embargo, algo ocurre en el transcurso de ese pacto: porque esta fábula moral, muy bien planteada y peor desarrollada, produce una cierta inquietud, la que provoca una sociedad solipsista, alérgica al contacto humano y completamente desconectada de sus propias emociones. Una pena que el final de este cuento sea tan previsible y tan conciliador. A uno le habría gustado un poco más de negrura en el rostro de Ryan Gosling, mucho mejor cuando está solo que cuando está acompañado de su novia de látex, tan fascinante como desasosegadora.

Expediente Anwar

2008-04-25T14:22:41+00:00
PUNTUACIÓN: 5 Es vox pópuli: la ficción televisiva norteamericana ha pasado -está pasando- por una edad de oro. Cualquier episodio de Los Soprano compite en la misma liga que Uno de los nuestros, por poner un ejemplo claro y meridiano. Es obvio que las series de ficción han absorbido lo mejor del cine de género y que han transformado sus usos y costumbres según los parámetros de la serialidad. Se está practicando una operación en sentido inverso: ahora es la televisión la que influye al cine. Eso se nota en Expediente Anwar, cuya estructura atomizada, abrumada por los juegos temporales (todo hay que decirlo, algo tramposos y confusos), difícilmente encuentra la entidad dramática que necesita para vehicular su discurso político. Expediente Anwar funciona como una ficción conspiranoica a la manera de 24. Aquí tenemos a un pobre ingeniero químico que es acusado injustamente por los americanos de ser la cabeza pensante de un atentado terrorista. El argumento se dispersa según diversas líneas narrativas: la esposa preocupada, la política monstruosa, el agente del Gobierno responsable, los verdaderos terroristas... Lo que podría haber dado buenos resultados en formato televisivo, naufraga en un mar de dudas e interrupciones en una película que se abre como una tela de araña, devorada por su propia dispersión, sin llegar nunca a profundizar en nada ni en nadie.

Elegy

2008-04-25T23:42:28+00:00
PUNTUACIÓN: 7 Uno podría hablar de traición: después de todo en El animal moribundo Philip Roth se acercaba al inexorable paso del tiempo a través de la relación entre sexo y muerte (o decadencia de la carne). Isabel Coixet prescinde prácticamente del sexo para hablar de lo mismo; eso sí, desde un cierto romanticismo. Coixet no ha hecho otra cosa que llevar a su terreno la temática de un libro que admira. Ya os lo dije cuando la vi en Berlín: el cine de la Coixet no me gusta. Lo encuentro afectado, acaramelado, pretencioso y falsamente culterano. No negaré que algunos de sus defectos persisten en Elegy: el uso de la música, los subrayados de algunas imágenes presuntamente poéticas, el exceso de voz en off... Pero... esta vez me creo la historia. La puesta en escena es más sobria, más sensata, está más pendiente de los personajes. Y los personajes están muy bien interpretados por Penélope Cruz y Ben Kingsley. No sé si son ellos o el trabajo de cámara (opera Coixet), pero hay una intimidad real entre ellos. Sí, el final es distinto al de la novela. No estoy seguro de que eso sea malo: en su primera película de encargo Coixet ha decidido personalizar el material de partida. Y ya sabéis: literatura y cine son disciplinas creativas que no tienen por qué seguir el mismo camino.

Mil años de oración

2008-04-22T13:33:22+00:00
PUNTUACIÓN: 6,5 Wayne Wang no ha buscado en el minimalismo nuevas vías expresivas porque Mil años de oración es más vieja que Matusalén. Es una historia sencilla, modesta y humilde que cuenta el reencuentro entre un padre y una hija separados por el choque generacional y de culturas: él es un hijo (y una víctima) de la Revolución Cultural y ella es una americana de adopción, que ha querido reinventarse al dejar atrás un pasado que la avergonzaba. No hay grandes aspavientos en el argumento de la película, y esa es una de sus grandes virtudes: Wang evita los tópicos del cine llorón, melodramático, cuando podría haber caído fácilmente en ellos. Todo se desarrolla en voz baja, y con delicadeza. A Wang le interesa sobre todo hacer un estudio de personajes. Ahí, en esa noble intención, es donde Mil años de oración se encuentra completamente descompensada. Porque Wang le dedica mucha más energía al personaje del padre, interpretado por un magnífico Henry O, que al de la hija: a sus derivas por la ciudad, a sus conversaciones con una mujer iraní en el parque, a su soledad suburbana. Se crea aquí una complicidad, una empatía fuerte con el personaje. Empatía que no existe con la hija, cuya presencia dramática aparece demasiado tarde en el filme, como si Wang se hubiera acordado de ella de repente y entonces intentara quebrar la distancia que ha mantenido con el personaje.

21. Blackjack

2008-04-19T14:56:33+00:00
PUNTUACIÓN: 6 Qué queréis que os diga: a mí 21. Blackjack no me ha parecido tan mala. Es cierto: estoy un poco harto de Kevin Spacey haciendo su papel habitual con el piloto automático, y me cuesta creer que este encadenado de improbabilidades parta de la adaptación de un caso real (!), aunque, dado lo previsible de su desarrollo (vemos al típico empollón que, una vez ha probado el lado oscuro de la vida, se sumerge en él olvidándose de sus amigos, bla, bla, bla...), esas improbabilidades pierdan frescura. ¿Por qué, entonces, me gusta (un poco) esta película? 1. Me gusta el personaje de ese jefe de seguridad interpretado por Laurence Fishburne que defiende lo analógico ante lo digital en un mundo en que ya no se rebobina sino que se salta de capa en capa. 2. Me gusta la visión amoral de América que da la película, aunque sea involuntariamente: aunque en un momento castiga a su protagonista, su subtexto sigue diciéndonos que si eres pobre y listo en América, lo mejor que puedes hacer es saltar la banca de un casino y, si quieres, invertir los beneficios estudiando en Harvard (aunque eso es lo de menos). 3. Me gustan las matemáticas. Me gusta la aplicación de la ciencia en los juegos de azar (aunque no entienda un pimiento de los métodos de los protagonistas).

¡Saló en TCM!

2008-04-19T01:31:07+00:00
Si existiera algo llamado poesía de lo extremo, Saló sería su obra cumbre. ¡Me alegro tanto de que se emita en TCM! Feroz análisis de las relaciones que se establecen entre sexo, poder y muerte, el film póstumo de Pasolini tomaba el libro del Marqués de Sade como punto de partida para devorar las estructuras jerárquicas del fascismo y vomitar los restos sobre un espectador que, aún ahora, puede encontrar la visión de la película completamente insoportable. Después de la Trilogía de la Vida, en la que Pasolini había revisitado clásicos de la literatura medieval para celebrar el sexo como reafirmación de la existencia humana, llegó el momento de la revolución: se trataba, pues, de diseccionar el alma podrida de las fuerzas vivas del totalitarismo –en este caso los últimos días del nacionalsocialismo en la República de Saló, cuando las tropas aliadas avanzan imparables por Italia- convirtiendo el placer sadiano en dolor pasoliniano. El escritor y cineasta italiano no era en absoluto ajeno a ese campo de investigación: su hermano había sido ejecutado por insurrecto. Pasolini insistía en que había respetado a rajatabla la letra sadiana. Sólo había sintetizado su larga duración inspirándose en el Infierno de Dante, idea ya presente en la estructura de la novela de Sade. Los ciento veinte días se habían convertido en apenas cincuenta y seis horas durante las que cuatro libertinos se encierran en una mansión para vejar, torturar y matar a sus víctimas, en su mayoría adolescentes capturados en la Italia rural. Dividida en cuatro capítulos –“Anteinfierno”, “Círculo de la locura”, “Círculo de la Mierda” y “Círculo de la Sangre”- literalmente dantescos, la película construye un universo paralelo donde las historias inventadas por Sade, que promulgaban una (hedonista) forma alternativa de vivir el sexo, son recitadas por mujeres que, vestidas de fiesta, las convierten en textos sin vida que complementan y/o excitan los abusos que los libertinos infligen a sus presos. En los cuentos de estas Sherezades del horror se concentran las intenciones morales de Pasolini. “¿Quién puede dudar de mi sinceridad”, decía, “cuando digo que el mensaje de Saló está en la denuncia de la anarquía del poder y la inexistencia de la Historia?”. No puedo hacer otra cosa que recomendarla, a riesgo de que, los que no la hayáis visto, me enviéis a freir espárragos...

La edad de la ignorancia

2008-05-04T03:20:12+00:00
En otra época esta película la habría firmado Fernando Colomo. O José Luis Garci. Llevaría por título Las verdes praderas o Estoy en crisis, y trataría de un cuarentón que no sabe coger el toro por los cuernos, que está agobiado por el estrés, que no entiende nada de lo que está pasando a su alrededor. Ese cuarentón es, por tanto, un cachondo mental que practica el sexo mucho menos de lo que le gustaría, y, claro, se pasa el día fantaseando, imaginándose como un semental en las situaciones menos propensas a ello. Entonces es cuando La edad de la ignorancia también podría ser una película de Mariano Ozores. Mirando hacia atrás sin ira, uno podría pensar que El declive del imperio americano era una versión intelectualizada de las comedias de la Tercera Vía. Y como una de las costumbres del tiempo es empeorar los defectos de películas que ya de por sí resultaban coyunturales, parece que Denys Arcand ha ido deteriorando su discurso sobre la crisis del macho contemporáneo. La edad de la ignorancia es mayormente misógina, y no sabe graduar el cambio de farsa a drama que se produce en el último tercio del metraje. Más interesante me resulta el retrato de la sociedad del Québec. Aunque la sutileza no es una de las virtudes del cine de Denys Arcand, y su insistencia puede resultar contraproducente, la verdad es que su visión de la realidad canadiense, sector afrancesado, es desoladora. Particularmente, me parece especialmente agudo cuando se mete con la obsesión por lo políticamente correcto de la sociedad del bienestar, envenenada desde la médula. El segmento ambientado en un juego de rol de la Edad Media es especialmente inspirado. ¿Hemos regresado a la edad de las tinieblas, a esa edad donde los torneos a vida o muerte definían el valor moral del ser humano?

Rebobine, por favor

2008-04-15T13:30:11+00:00
PUNTUACIÓN: 6 Para quienes dudaron de su talento como (posible) cineasta, o para los que sospecharon que sólo intentaba apuntarse a la estela del cometa Jonze (que se le adelantó dos años con su ópera prima, Cómo ser John Malkovich), Michel Gondry dirigió Olvídate de mí. Es cierto: el nombre de Charlie Kaufman como guionista ofrecía algo de consistencia en sus ansias de originalidad. Es obvio que Gondry es mucho mejor director que guionista. Suplió la ausencia de Kaufman en La ciencia del sueño subrayando la dimensión confesional, diríamos que casi autobiográfica, de una película que compartía, con una gran honestidad, la mirada inocente de su héroe. En Rebobine, por favor se echa de menos a Kaufman o, en su defecto, la mano de un guionista que desarrolle un muy estimulante punto de partida más allá de un solipsismo que se agota en sí mismo. Para todos los que complementamos nuestra formación cinéfila adolescente agarrados a una cinta de VHS (o, en mi caso, de Betamax), la película no puede resultar más entrañable: Gondry reivindica el entusiasmo casi infantil de estos dos videófilos vintage al rodar remakes domésticos de clásicos de los ochenta, y lo hace celebrando películas (Los cazafantasmas) que no entrarían en ningún canon occidental de la cinematografía de los últimos treinta años. Lo hace, también, celebrando lo analógico frente a lo digital, lo artesanal frente a lo tecnológico. Bien por su propuesta, aunque la sustancia de su oferta se quede corta, y sea mucho menos divertida, menos desprejuiciada, de lo que cabía esperar. Los personajes están al borde de la caricatura y la comedia no acaba de brotar con la naturalidad que a uno le gustaría.

La familia Savages

2008-04-12T17:02:57+00:00
PUNTUACIÓN: 8 Cuando uno se entera de que Alexander Payne y Jim Taylor son los productores ejecutivos de La familia Savages (la "s" del título en castellano siempre será una incógnita), lo entiende todo. No es para quitarle méritos a Tamara Jenkins, de quien no conozco Slums of Beverly Hills, pero el tono amargo y nada sentimental de A propósito de Schmidt respira a través de las imágenes de esta ejemplar película "indie". Una de las mayores preocupaciones del cine "indie", es sabido por todos, ha sido retratar los biorritmos de la familia disfuncional. En muchas ocasiones ha sacrificado el proverbial sentido de la observación de cierto cine americano para dejarse llevar por la pornografía emocional, algo que, en el caso de La familia Savages, era bastante difícil de evitar, dado el conflicto que plantea. Es decir, si tenemos la historia de dos hermanos que no se llevan excesivamente bien, que tienen que reunirse para afrontar la demencia senil de un padre que les abandonó, sería lógico que pensáramos: "otra de asilos, otra de lágrimas fáciles". Pues no: es sorprendente la habilidad de Jenkins para cortar en el momento justo; en definitiva, para contextualizar las acciones de los personajes en un presente que no depende tanto del pasado sino de cómo se ha asumido ese pasado. No hay confesiones ni psicoterapias de tocador ni flashbacks explicativos. Los traumas se sospechan, pero lo importante es el modo en que afectan al presente de los personajes, admirablemente interpretados por Laura Linney y Philip Seymour Hoffman.

Joe Strummer

2008-04-11T09:12:46+00:00
PUNTUACIÓN: 4 Me costaría un montón hacer una película sobre un amigo. Peor me lo pondría que hubiera muerto y que, además, fuera una estrella. ¿Cómo investigar desde la distancia? ¿Cómo hacer un retrato fidedigno sin empaparse de empatía? ¿Cómo utilizar esa empatía a tu favor sin caer en la hagiografía? Julien Temple fue amigo de Joe Strummer, líder de The Clash. Eso se nota: si no fuera por la amistad que los unía, no habría contado para su documental con todo tipo de material de archivo inédito ni habría tenido tanta facilidad para acceder a determinados entrevistados (aunque uno flipe viendo a Johnny Depp y a Bono, que se apunta a un bombardeo con tal de figurar). El gran problema de Joe Strummer. Vida y muerte de un cantante es que Temple quiere disimular: para que no tengamos en cuenta que defiende a capa y espada a su objeto de estudio, adorna su retrato con una crónica sociocultural que, a ratos, resulta confusa y torrencial. Apenas hay reflexión en el ensayo de Temple: conocemos al hombre y a su época, pero la sensación que tuve al salir del cine fue que, ante tal batiburrillo de datos y opiniones, me costaba sacar una conclusión clara de lo que había visto. Este es un documental para fans: sólo así puedes enterarte de quién es quién y de quién hizo qué. Y sólo los fans le perdonarán a Temple haber escogido una fogata estilo boy scout para reunir a sus entrevistados.

¿Quién teme a Uwe Boll?

2008-04-11T00:01:57+00:00
Deberíamos temerlo todos: en su currículum como director figuran bodrios como House of the Dead (ver video) o Alone in the Dark, y amenaza con títulos venideros tan atractivos como Zombie Massacre. El alemán Uwe Boll no se merece un post por su obra como cineasta, si es que alguien se atreve a calificarlo así. El alemán Uwe Boll se merece un post porque quiere retirarse y necesita nuestra activa participación. Lo publica el diario The Guardian: Uwe Boll ha retado a sus detractores, que son legión, a reunir un millón de firmas en su contra. Si la recogida de firmas llega a esa cifra, Boll dejará de molestarnos. En junio del 2006 retó a los cinco críticos que más demostraron detestarle a subir al ring y practicar el boxeo con él como contrincante (ver foto). Se supone que, tras unos cuantos golpes, los críticos empezaron a disfrutar de sus películas. ¿Por qué director, español o extranjero, iniciaríais una campaña de recogida de firmas para empujarle fuera del círculo cinematográfico?

Shine a Light

2008-04-11T11:41:50+00:00
PUNTUACIÓN: 7 No comparto en absoluto el entusiasmo de cierta crítica americana ante las bondades de Shine a Light (como película-concierto, prefiero El último vals, del propio Scorsese, y, sobre todo, dos verdaderas joyas dirigidas por Jonathan Demme, Stop Making Sense y Neil Young: Heart of Gold). Tampoco me voy a poner al lado de los que se quejan, porque es una película que no engaña a nadie, completamente coherente con sus planteamientos. No puedo negar que me habría gustado ver otra película sobre los Stones, teniendo en cuenta la grandeza de quien la ha dirigido. Pero noto una cierta complicidad entre el que filma y los que son filmados: tanto Scorsese como los Stones son supervivientes, y tienen la energía suficiente para seguir dando guerra. Uno, decía, habría preferido un documental más incisivo, que utilizara el material de archivo no sólo como amable transición sino como contrapunto crítico para analizar la crisis del mito (o su sublimación) en la sociedad contemporánea. Scorsese prefiere quitarse las pulgas de encima y rodar la eterna electricidad que parece acompañar a los Stones en el escenario. Podría hablarse de documental íntimo, dado que el concierto no se celebra en un estadio olímpico sino en un teatro con un aforo limitado, pero el enfoque de Scorsese es épico, o al menos tan épico como los saltos de Mick Jagger. Si asumimos que los Stones son una marca registrada, y que ahora prefieren la visita de los Clinton, suegra incluida, que la de los adalides de la contracultura, podremos disfrutar de Shine a Light. No sólo por su arranque juguetón, que narra los preparativos de la filmación del concierto con sana frivolidad, sino porque Scorsese y su equipo montan el dispositivo necesario para que no nos perdamos nada del espectáculo, para que lo veamos y lo oigamos todo como si estuviéramos en primera fila.