Diego Galán Invita

Homenaje a Fernán Gómez

2008-05-02T11:54:52+00:00

Despedimos esta temporada del programa hasta nueva ocasión. Nada más oportuno para hacerlo que un homenaje al gran Fernando Fernán Gómez mostrando una película que muchos consideran de sus mejores y en la que da cuenta de su talento como escritor, director, actor... y productor, aunque en ésta última materia nunca descollara nuestro admirado amigo. En 1963 cumplía sus bodas de plata con la profesión de actor, y decidió aceptar todos los trabajos que le ofrecieran. Representó en teatro varias obras -– La sonata a Kreutzer, de Tolstoi, El pensamiento, de Andreiev, El capitán Veneno, de Alarcón…–, intervino en cuatro películas, y produjo, escribió, dirigió e interpretó El mundo sigue, que junto a El extraño viaje, que dirigió al año siguiente, forma el dúo maldito de su filmografía La novela El mundo sigue, del académico Juan Antonio de Zunzunegui, entusiasmaba a Fernán Gómez. Un melodrama de corte realista, "amargo y triste", según el escritor Enrique Brasó, cuyo guión fue prohibido por la censura. Quizás porque la historia que cuenta, en palabras de Fernán Gómez, "muestra que cuanto mayores sean las claudicaciones morales de los individuos mejor les irá en la vida práctica.” La censura acabó aprobando el guión a costa de suprimir la mayoría de los diálogos originales. Y una vez filmada la película se le concedió oficialmente la calificación artística más baja, otra forma de censura, ya que en aquella época significaba que no podía estrenarse en circuitos importantes. Y así ocurrió. El mundo sigue permaneció inédita durante varios años. Paradójicamente, hoy es una película de culto. Otra paradoja es que a pesar del fracaso que supuso que El mundo sigue no fuera estrenada, Fernán Gómez recibió la oferta de dirigir El extraño viaje, que a su vez significó otro desastre ya que tardó cinco años en aparecer en la cartelera, y en un modesto cine de barrio como complemento a una película norteamericana en programa doble. Ambas, sin embargo, son las mejores películas dirigidas por Fernán Gómez, al menos hasta ese momento. Luego vendrían otras joyas como Mambrú se fue a la guerra o El viaje a ninguna parte, y para TVE Juan Soldado y la serie El Pícaro. En el reparto figuran en papeles secundarios algunos de los actores que acompañaron a Fernán Gómez a lo largo de toda su carrera, María Luisa Ponte y Agustín González, junto a figuras señeras del teatro, Milagros Leal y Francisco Pierrá, y dos jóvenes actrices, Lina Canalejas y Gemma Cuervo, en los personajes de las hermanas enfrentadas hasta la muerte. Sin olvidar, claro está, al propio Fernán Gómez que interpreta al camarero obsesionado con las quinielas, a las que dedica toda su pasión. Película atípica en la filmografía del director ya que carece de sentido del humor, tiene, entre otros méritos, el de ser un documental sobre el Madrid de los primeros años sesenta, en el que la miseria y el miedo se daban la mano. Para presentar esta película hemos mantenido una conversación con la actriz Emma Cohen, compañera de Fernán Gómez durante los últimos treinta y siete años de la vida de éste. Emma Cohen, que considera El mundo sigue como la mejor película de su amigo, desgrana recuerdos y opiniones sobre el gran maestro y esta película insólita que, de no haber sido manipulada por la censura, quizás hubiera cambiado el rumbo de su vida. Y algo de la nuestra.

Un Buñuel poco conocido

2008-04-24T17:05:57+00:00

Robinson Crusoe es una de las películas menos conocidas de Luis Buñuel. No se la suele incluir entre sus grandes obras, pero cualquier trabajo de Buñuel tiene por sí mismo un interés especial. Y este Robinson Crusoe, una de las dos películas que rodó en inglés, contiene elementos tan puramente buñuelianos que ayudan a comprender mejor la personalísima poética del cineasta. Se dijo con frecuencia que Buñuel examinaba a sus personajes de ficción como un entomólogo estudia a los insectos. En ese sentido estamos ante una película clave, ya que Robinson Crusoe, como se sabe, vive en soledad perdido en una isla. Ni Dios le oye, como Buñuel subraya. El náufrago debe aprender a valerse por sí mismo en un medio hostil. Para conseguirlo no le valen su educación burguesa, sus medios económicos, ni el Ejército ni la Biblia.... No desvelo nada. Todos conocen la historia de Robinson Crusoe, novela de Daniel Defoe que, por cierto, a Buñuel no le gustaba nada. Sólo le atraían sus personajes, especialmente Robinson en su soledad y en su relación con el indígena Viernes, personaje que podría haberse convertido en un amigo, pero al que Robinson considera un simple siervo. Ello ocurre más allá de la mitad de la película. Hasta entonces sólo hemos podido contemplar cómo Robinson se va adaptando a su melancolía... El actor irlandés Dan O'Herlihy fue candidato al Oscar de 1955 por esta interpretación de Robinson. No lo ganó. Fue nada menos que Marlon Brando quien consiguió la estatuilla por su trabajo en La ley del silencio. Nada que objetar. Lo que es justo, es justo. El guión original de Robinson Crusoe fue escrito con el seudónimo de Philip Ansell Roll por el norteamericano Hugo Butler, que había sido nominado al Oscar en 1941 por la película Edison, el hombre. El guionista se refugió en México escapando de la famosa caza de brujas del senador Mac Carthy, y colaboró con Buñuel tanto en esta como en la otra película norteamericana del famoso aragonés: La joven. Escribió un primer tratamiento de Robinson Crusoe, al que más tarde se incorporaron los también exiliados Luis Alcoriza y Luis Buñuel; fueron ellos quienes añadieron las partes, digamos, surrealistas, muchas de las cuales fueron luego eliminadas por la productora en el montaje final. Lo que a Buñuel le interesaba, según él mismo dijo, era explorar el inconsciente del náufrago, algo que al autor de la novela, Daniel Defoe, le traía sin cuidado. Unas 13 veces se había adaptado al cine previamente sin rozar esa perspectiva. Robinson Crusoe se rodó en México durante varios meses. Fue un trabajo difícil ya que por primera vez se usaba fuera de Estados Unidos el sistema Eastmancolor, según contó siempre Buñuel, aunque en los títulos de crédito de la película figura el sistema Pathé Color. En cualquier caso, era un sistema muy flojo que se ha ido desvaneciendo de las copias. La película se rodó en inglés, y aunque en su emisión se ofrezca la posibilidad dual, aconsejo que se oiga en su versión original. El doblaje en castellano no es bueno, y como la mayor parte de la película se basa en una voz en off, no supondrá mayor esfuerzo para los reacios a la v.o. Disfruten con esta rareza de Luis Buñuel y no dejan de ver sus otras películas, algunas de las cuales están con todo derecho en lo mejor de la historia del cine Aquí se pueden consultar los pases de Robinson Crusoe en TCM

Fumar es un derecho

2008-04-02T00:44:42+00:00

Una de las películas más valientes y honestas que el cine español ha aportado en los últimos años, dijo la crítica cuando Smoking Room se estrenó a mediados de 2002. Consiguió el premio especial del jurado, y los de mejor guión e interpretación masculina al conjunto de sus actores en el Festival de Cine de Málaga de aquel año. Luego, junto a otros premios, fue galardonada en el festival de Karlovy Vary, estuvo a punto de ser considerada la revelación europea del año y consiguió el Goya a la mejor opera prima, compartido al alimón por sus dos jóvenes directores. Fue la primera película del catalán Roger Gual y del argentino Julio D. Wallovits. Tras esta feliz experiencia, rodada en régimen de cooperativa, han tomado caminos separados, pero no sería improbable que volvieran a colaborar. Desde luego, lo esperamos. Smoking Room es un filme valiente e imaginativo, de briosa cámara en mano. Probablemente no había otra manera de cazar documentalmente las angustias y miserias de esos empleados de una empresa multinacional que solicitan una habitación donde poder fumar. Una anécdota de apariencia trivial que abre la caja de los truenos. La película nos va descubriendo a sus personajes en base a nerviosos diálogos u obsesivos monólogos en los que lo actores encuentran ocasión para el lucimiento personal. Lo cuentan muy bien Eduard Fernández y Manuel Morón en las entrevistas que hemos mantenido con ellos y que preceden a la emisión de la película. Hubo que elegir entre el amplio y magnífico reparto: Antonio Dechent , Ulises Dumont, Juan Diego, Frances Orella, Chete Lera, Pep Molina, y en un pequeño cometido la sin par Vicky Peña. , Hay que sentarse y admirarlos. Incluso si no se es fumador. A fin de cuentas la película no habla tanto de tabaco como de libertad. De la inseguridad laboral y del miedo. Según la crítica de Manuel Márques, "se trata de un empeño arriesgado, un ejercicio de cine difícil, tanto en lo formal como en lo material, y del cual los autores salen no sólo airosos, sino exultantemente triunfadores." A no perdérsela. Como siempre, aquí se pueden consultar todos los pases de la película "Smoking Room" en TCM.

Un melodrama romántico

2008-03-25T11:37:28+00:00

Firelight es un melodrama con apuntes folletinescos, ambientado en la Inglaterra victoriana. Un melodrama con todas las de la ley hasta el punto de que algún crítico español relacionó esta película con Ama Rosa, aquel serial radiofónico que hizo estragos en la España de los años cincuenta, y que más tarde tuvo una adaptación cinematográfica interpretada por Imperio Argentina. Pero nada que ver. Firelight (A la luz del fuego) tiene calidad narrativa, un cuidado exquisito en la ambientación y en la puesta en escena, buenos y escuetos diálogos, y unas interpretaciones extraordinarias encabezadas por la actriz francesa Sophie Marceau, que hacen olvidar cualquier relación con melodramas precedentes, aunque aquí también haya una madre (en este caso una madre de encargo) que quiere recuperar a su hija al cabo del tiempo. Firelight fue la primera película dirigida por el guionista y novelista William Nicholson. También la única hasta ahora. Nicholson ha cosechado éxitos con sus novelas –La sociedad de los otros, por ejemplo– una la trilogía infantil, El viento en llamas, y obras de teatro como La retirada de Moscú. Ha sido nominado al Oscar en dos ocasiones por los guiones de Tierras de penumbra, de Richard Attenborough y Gladiador, de Ridely Scott. A la luz del fuego fue presentada en el festival de San Sebastián de 1997 donde obtuvo el premio especial del Jurado así como el de la mejor fotografía. Pero ahí no acabó todo. También consiguió el premio de la juventud que conceden unos 300 estudiantes de entre 17 y 21 años. Un galardón que sorprendió. ¿Qué tiene Firelight para haber seducido a un público adolescente cuando en principio una historia como la que cuenta podría estar alejada de su sensibilidad? Pero así fue. La crítica, por su parte, avaló esta película romántica y sobria, con una espléndida fotografía y unos actores en estado de gracia. A pesar de tanto respaldo, se estrenó en España de forma casi clandestina, sin esfuerzos publicitarios, de forma mecánica. Y lógicamente casi nadie fue a verla. Confío en que también ustedes se dejen prender ahora por esta película singular. Aquí se pueden consultar todos los pases en TCM de Firelight.

Un despertar a la vida

2008-03-17T16:20:41+00:00

Un soplo en el corazón se presentó en el festival de Cannes de 1971 junto a otras películas que marcaron época: El mensajero, de Joseph Losey, que ganó la Palma de Oro, Muerte en Venecia, de Luchino Visconti, Johnny cogió su fusil, de Dalton Trumbo, Sacco e Vanzetti, de Montaldo, junto a otras maravillas. Es inolvidable aquella edición del festival de Cannes. El director francés Louis Malle, de 39 años, escandalizó en aquel festival con su noveno largometraje Un soplo en el corazón. La razón del escándalo estribaba en un incesto que él contemplaba con ojos limpios, sin asomo de culpa. Las gentes bien pensantes consideraron entonces que un supuesto pecado de esta naturaleza debía recibir un castigo ejemplar. Pero más allá de aquel escándalo tonto, Un soplo en el corazón es una película sensible e inteligente que habla del despertar a la vida de un adolescente de 15 años. Se insistió mucho en el carácter autobiográfico de la película y su director lo negó siempre… aunque sin convencer a todos. Y es que, al igual que el propio Louis Malle, su joven protagonista tiene sus primeras experiencias sexuales en compañía de sus hermanos mayores; al igual que algún amigo igo de Louis Malle el muchacho de la película fue toqueteado por un cura pederasta; como Louis Malle, el adolescente de su historia pertenece a una familia burguesa de talante liberal en la que eran frecuentes las discusiones políticas… La acción se desarrolla en 1954, en el momento en que Francia es derrotada en Indochina, en la batalla de Dien Bien Phu, tras casi un siglo de colonización. Ese cambio traumático en la sociedad francesa coincide con el cambio anímico y corporal del joven protagonista de Un soplo en el corazón. Louis Malle acababa de regresar de la India de filmar un espléndido documental, Calcuta, experiencia que le marcó profundamente hasta el punto de comentar que ya no sabría hacer películas en un estudio y con actores. El clima de mayo del 68 que aún flotaba en el ambiente era propicio para la reflexión y la puesta en cuestión de todos los valores. Una vez fracasada la revuelta, fueron tiempos para la introspección. Louis Malle se encerró a escribir y en 15 días terminó el guión de Un soplo en el corazón. Lo escribió sobre la marcha, sin saber él mismo en qué acabaría la historia. A pesar de tanta rapidez fue nominado al Oscar al mejor guión en 1973, premio que finalmente no obtuvo, aunque le permitió en poco tiempo abrirse las puertas de Hollywood. Louis Malle fue un director inclasificable, no sujeto a normas, sin un estilo preestablecido, libre para acercarse a temas y géneros diversos. Falleció en 1995 a los 63 años a causa de un linfoma. Veamos Un soplo en el corazón sin que ya pueda escandalizarnos. Y disfrutemos del exquisito pulso narrativo del director, de la espléndida actriz italiana Lea Massari, y de la revelación que en 1971 significó el chico Benoit Ferreux, hoy consagrado actor del cine francés. Aquí se pueden consultar todos los pases de la película en TCM

Bienvenido el humor negro

2008-03-07T14:01:58+00:00

Duerme, duerme mi amor es “una mis películas más frescas, más locas, más brillantes...”, según afirmó su director, Francisco Regueiro. Y es cierto, aunque otras de sus películas famosas, Las bodas de Blanca, Padre Nuestro ó Madregilda, tienen puntos de conexión con ésta. ¿Qué puede hacer un marido al que su esposa atosiga? ¿Separarse, matarla... o lo que decide finalmente el protagonista de esta película? A fin de cuentas los matrimonios no duran. Como ejemplo, basta en esta misma película la pareja de recién casados que se lían a bofetadas entre ellos en la misma iglesia momentos después de la boda. La crítica alabó este esperpento de Regueiro que, sin embargo, pasó de puntillas por la cartelera. Fue estrenada en 1975 cuando se estaban viendo películas hasta entonces prohibidas. La distribuidora nortemericana encargada de la distribución de Duerme, duerme mi amor no le hizo especial caso. Sea lo que fuere, es este un buen momento para recuperar una comedia surreal en la que brillan el buen humor (negro) y sus magníficos intérpretes, José Luis López Vázquez, María José Alfonso, Rafaela Aparicio, Lina Canalejas, Manuel Alexandre y Lali Soldevila, entre otros. Regueiro es escritor, caricaturista, pintor... y naturalmente director de cine. 10 son las películas que ha filmado desde que en 1962 compitiera en el festival de Cannes con su opera prima El buen amor . No tuvo suerte y la Palma de Oro recayó en El gatopardo, de Visconti. Pero Reguiero volvió a Cannes con Amador, su siguiente película, aunque hubiera sido previamente masacrada por la censura. Vean y disfruten de este alocada historia que, finalmente, habla de una España que aún no ha desaparecido del todo. Una larga entrevista con Francisco Regueiro sirve de presentación. Aquí se pueden consultar todos los pases de la película en TCM.

Una pequeña joya: "El ladronzuelo"

2008-03-17T17:24:40+00:00

El pequeño ladrón, o mejor El ladronzuelo, apenas dura una hora. Se trata de un trabajo para televisión. Concretamente para una serie de seis películas, Izquierda/Derecha, que produjo el canal francés ARTE en 1999. Su intención era ofrecer una mirada política sobre la realidad francesa contemporánea. Pero fue tal el éxito de esta película, que acabó exhibiéndose en los festivales de Munich y Biarritz, en los que recibió premios, y más tarde en salas de cine. Cuenta la historia de un muchacho de 18 años que por nombre sólo tiene una letra, S, quizás como un símbolo utilizado por el director, Erick Zonca, para subrayar la falta identidad de su personaje. “S” se gana la vida como panadero pero no está contento con su suerte. El trabajo es para él una esclavitud, y la panadería una cárcel. “S” busca nuevos caminos que le llevarán, como se verá enseguida, a ejercer la delincuencia en un entorno violento. Se dijo en su día que la historia de “S” era común a otros muchos chicos de su edad, sin destino definido, con sensación de sentirse perdidos o inútiles. La extraordinaria combinación de violencia y ternura, la brevedad de los diálogos, la intrépida cámara siempre a mano, la configuración de los personajes que nunca se contemplan en clave sicológica, conforman un retrato duro y sensible, no sólo sobre el personaje protagonista sino sobre su entorno. Erick Zonka, el director, tenía algo más de 40 años cuando dirigió esta película. Había realizado previamente algunos cortos y un largometraje, La vida soñada de los ángeles, que obtuvo los mayores premios franceses de 1998, incluido uno del festival de Cannes. Pero Zonka, aunque parezca contradictorio, no tenía previsto dedicarse a la dirección cinematográfica. Había querido ser actor… pero actor del cine de Hollywood. Para conseguirlo se trasladó a Estados Unidos con la intención de seguir los cursos de una escuela de arte dramático. Pero lo que son las cosas. Allí se casó con una bailarina amante del cine europeo y junto a ella conoció en Nueva York las películas que no había ido a ver en Francia. Erick Zonka descubrió entonces un mundo nuevo y fascinante. Y se dedicó a él con entusiasmo, no sólo realizando cortos sino también numerosos spots publicitarios. Zonka se toma el cine con calma. Tras La vida soñada de los ángeles y El pequeño ladrón ha tardado once años en dirigir su siguiente película, conservando siempre una cualidad de neófito en el mundo cine. En el actual festival de Berlín, que se está celebrando estos días, ha presentado su tercer largometraje, Julia. Pero esa cualidad de neófito fue aún mayor en el caso de Nicolas Duvauchelle, protagonista de El ladronzuelo. No era entonces un actor profesional ni había pensado en serlo. Lo suyo era estudiar Farmacia aunque lo que le gustaba era el boxeo, y precisamente por tener esa afición fue contratado para la película. Zonca no tenía tiempo para enseñar a boxear a un actor y prefirió enseñar a ser actor a un boxeador. Y lo consiguió. Desde que protagonizara esta película, Nicolas Duvauchelle se ha dedicado al cine en exclusiva. Ha protagonizado ya más de 20 películas. Y ha sido modelo de diversas firmas de ropa o de perfumes. Su aspecto de chico guapo le ha abierto muchas puertas. En Francia le consideran la mejor promesa de los actores jóvenes. El ladronzuelo fue considerada por buena parte de la crítica como una película heredera del estilo cinematográfico de Robert Bresson. No es mala comparación. La sobriedad en el lenguaje y la ausencia de juicios morales sobre la actitud de los personajes son algunas de las virtudes del maestro. Pero como ocurre con los buenos alumnos, Zonca ha hecho suyas las enseñanzas del maestro para construir su propio punto de vista. Aquí se pueden consultar los pases de la película en TCM.

El padre de Frankenstein

2008-02-19T09:27:45+00:00

James Whale hubiera pasado a la historia del cine sólo por haber dirigido tres de sus películas: Frankenstein, La novia de Frankenstein y El hombre invisible, tres joyas del cine de terror de los años 30. Pero por si fuera poco, en su haber también se cuentan las primeras versiones de El puente de Waterloo, Magnolia y El hombre de la máscara de hierro. James Whale había nacido en Inglaterra en 1899 y se suicidó en Hollywood en 1957. Escribió antes de morir: "El futuro no es más que vejez y enfermedad y dolor... yo necesito tener paz y ésta es la única manera de conseguirla." Tras haber dirigido 50 películas se retiró del cine a finales de los años cuarenta, quizás forzado por la censura de Hollywood, que no toleraba su abierta homosexualidad. El novelista Christopher Bram se inspiró en los últimos años de su vida para escribir El padre de Frankenstein , novela de la que parte la película Dioses y Monstruos. James Whale está encarnado por el gran actor británico Ian Mc Kellen. Fue premiado por este trabajo en los festivales de San Sebastián, Toronto, San Diego, y en varios otros, y fue naturalmente nominado al Oscar, trofeo que sin embargo no obtuvo. Recayó en Roberto Begnini por La vida es bella. Cosas que pasan. Ian McKellen hace una creación antológica. La soledad de James Whale, su amargura, su humor, cínico y trágico a la vez, y también su alegría, son los conductores de esta película “de gran vuelo, escrita con rigor y brillantez por su excelente director, Bill Condon”, según escribió el malogrado crítico Ángel Fernández-Santos en El País. “Percibí fue una persona a la que podía entender y con la que no me sería dificil identificarme, por lo que no dudé en aceptar reconstruir su figura y su vida, cuando comprobé que el guión estaba muy bien escrito", explicó el actor. Pero aun siendo Ian McKellen el eje central de la película, no hay que regatear elogios para el joven Brendan Fraser, que interpreta al jardinero heterosexual que enamoró por última vez a Whale, ni para la excelente Lynn Redgrave, que encarna a la cómplice y abnegada criada húngara. El director Bill Condon tenía 45 años cuando dirigió esta, su segunda película para el cine. Por ella obtuvo el Oscar al mejor guión: 8 años más tarde fue nominado por el guión del musical Chicago, de Rob Marshall. Su siguiente película como director, Kinsey, obtuvo una nominación a los Oscar y varias a los Globos de Oro, siendo premiada en diversos festivales. A ella le siguió Dreamgirls, que obtuvo igualmente dos Oscars y varias nominaciones, pero parece que su carrera no ha despertado tanto entusiasmo como prometía la magnífica película que presentamos esta semana. * Domingo 17 Febrero * Miércoles 27 Febrero * Sábado 8 Marzo * Miércoles 19 Marzo * Lunes 24 Marzo

Robin de los Bosques con achaques

2008-02-19T09:29:05+00:00

"Te amo más que a los niños, más que a los campos que planté con mis manos, más que a la plegaria de la mañana, más que a la paz, más que a la alegría, más que al amor, más que a la vida entera. Te amo más que a Dios". Estas frases, pronunciadas por una monja, resumen con alegría la bella historia de amor que cuenta esta película admirable. Robin y Mariam es hoy una obra maestra, reconocida por todos. Sin embargo, cuando se estrenó en 1976 cosechó un rotundo fracaso, y no sólo en España. La crítica fue implacable, y al público no le interesó la propuesta de ver al legendario Robin Hood transformado en un vejete con achaques. Pero esa es precisamente la propuesta de la película. Ver envejecer a una leyenda viva, la del dinámico y valiente Robín de los Bosques, que ahora duda de cuanto ha hecho en su vida y que se siente decepcionado de lo que ha conseguido con sus cruzadas. Y que puede disfrutar aún del reencuentro con su viejo amor, Marian, ahora convertida en monja. Hoy parece increíble que eso ocurriera con Robin y Marian , una película que goza de excelente buena salud. Es raro que los espectadores de entonces no se dejaron cautivar por esta tragicomedia, emocionante y tierna, regada toda ella con pinceladas de humor y una ironía inteligente. Y más raro aún que no aplaudieran la interpretación de ese animal de cine llamado Sean Connery, o que no se dejaran fascinar por el rostro lleno de luz de Audrey Hepburn. Juntos son insuperables. Es un placer verlos. El guión de Robin y Marian dio bastantes tumbos antes de que el director británico Richard Lester se hiciera cargo de él. Estaba escrito por James Goldman, entonces recientemente galardonado con un Oscar por Un león en invierno, pero ni aún así los productores se animaban a filmarlo. El director Richard Lester se había dado a conocer 20 años atrás con la Palma de Oro obtenida en el festival de Cannes con The Knack o cómo conseguirlo, y especialmente por sus dos películas con los Beatles, Qué noche la de aquel día y Help. Lester no dudó al conocer el proyecto, que quiso titular "La muerte de Robin Hood”, lo que hubiera sido un error. Como seguramente también lo hubiera sido que Albert Finney hubiera interpretado a Robin Hood. Vista hoy Robin y Marian, nadie mejor que Sean Connery para el personaje, que él llena de sutilezas. Connery acababa de interpretar El hombre que pudo reinar, de John Huston. Como se sabe, Connery quería desprenderse de la fama que le había dado el personaje de James Bond, e iniciar un nuevo camino como actor. Pero a alguien se le había ocurrido que si Albert Finney volvía a formar pareja con Audrey Hepburn como en aquella maravilla que es Dos en la carretera, el éxito sería más fácil. Tampoco Audrey Hepburn estuvo segura para interpretar su personaje en Robin y Marian. Llevaba 9 años retirada del cine, dedicada a su familia. Temía regresar: con 47 años se sentía fea. Qué disparate. La película se rodó en España, en Navarra especialmente, por lo que no sorprende descubrir en un pequeñísimo personaje a una Victoria Abril de 17 añitos, o a la más veterana Montserrat Julió. O a Gil Parrondo en los decorados y a Ivonne Blake en el vestuario: poco tiempo atrás ambos habían obtenido sendos Oscar por Nicolás y Alejandra, también rodada en España. En las anteriores películas sobre Robin Hood todos los personajes iban siempre impecables; en esta, por el contrario, la ropa está usada, sucia… todos están sudados, el ambiente huele a estiércol. Tanto los protagonistas como los personajes secundarios, Robert Shaw, ya famoso por la película Tiburón, o Richard Harris, que ya había actuado junto a Sean Connery en Odio en las entrañas, otra película que habría que recuperar. Acérquense a Robin y Marian con ojos nuevos. Y disfrutenla. No se van a arrepentir. (Aquí se pueden consultar los pases de la película en TCM)

Un relato impresionante

2008-02-10T13:34:55+00:00

En 1959 los padres y los dos hijos adolescentes de una misma familia aparecieron asesinados en una tranquila ciudad de Kansas. Los asesinos fueron dos pequeños delincuentes en régimen de libertad provisional que creían iban a encontrar en aquella casa un gran botín. Fueron ejecutados en la horca en 1965. El escritor Truman Capote, junto a Harper Lee, autora de la famosísima Matar a un ruiseñor , entrevistó a la policía y a cuantos conocieron a la familia asesinada, y se amistó igualmente con los asesinos. Con ese material compuso uno de sus mejores libros, A sangre fría. La actitud moral de Truman Capote ha sido discutida por la posibilidad de que explotara la tragedia de los condenados en su propio beneficio. Incluso se han hecho un par de películas sobre esta cuestión, una de ellas, Capote, de 2005, fue galardonada con el Oscar al mejor actor, Philip Seymour Hoffman, además de otros premios. La segunda película, Historia de un crimen (Infamous), tuvo la mala suerte de estrenarse más tarde y obtuvo menos galardones. Capote calificó su libro A sangre fría como “novela de no ficción”, es decir, reportaje periodístico. Con ella abrió un nuevo campo en la escritura novelada. El director de la película, Richard Brooks leyó el libro de Capote antes de que fuera editado. A Capote le gustaba la idea de que fuera Brooks quien dirigiera la película sobre su libro, y no era baladí la elección. Brooks se había hecho famoso por sus adaptaciones literarias al cine: Los hermanos Karamazov, Lord Jim, Dulce pájaro de juventud, La gata sobre el tejado de zinc, y Elmer Gantry (El fuego y la palabra) , que obtuvo varios Oscar, uno de ellos el de mejor guión adaptado. Tras la ejecución de los asesinos y la publicación del libro de Capote, Richard Brooks acometió la realización de la película respetando el libro de forma puntual pero haciendo a su vez otra obra de arte. Rodó en los lugares donde se había producido la tragedia, incluyó auténticas fotografías de los asesinados y le dio a la película el mismo tono de reportaje del libro. Precisamente el que necesitaba para reforzar lo escalofriante de la historia. No sólo el asesinato a sangre fría de toda una familia, sino el asesinato legal en la horca de los dos asesinos, igualmente a sangre fría. La película es un alegato contra la pena de muerte. ¿Por qué mataron esos infelices? ¿Por qué les mataron a ellos? El director tuvo problemas con el reparto. La productora quería a Paul Newman y Steve McQueen, dos estrellas de moda, pero Richard Brooks prefería a actores que no fueran conocidos. Eligió a dos, espléndidos por cierto, que resultan verosímiles. Robert Blake había sido de niño el vendedor de lotería de la película El tesoro de Sierra Madre, de John Huston, y se hizo popular en series de televisión. Recientemente ha sido acusado del asesinato de su esposa. Scott Wilson, por su parte, continúa en activo. Incluso hizo un cameo no acreditado en la película Capote, como un guiño para cinéfilos. Es posible que por primera vez tanto una película como el libro en que se basa hayan sido igualmente importantes. De hecho, la película tuvo 4 nominaciones al Oscar, entre ellos el de mejor director, que finalmente obtuvo Mike Nichols por El graduado. Han pasado 40 años desde que se rodó A sangre fría. Sigue siendo actual, está vigente. Véanla y admírenla (el domingo a las 22h será el primer pase) Adelantamos un trailer en versión original. (Aquí se pueden consultar los pases de la película en TCM)

Arrebato, el cine maldito

2008-03-17T11:36:39+00:00

Se acabó lo bueno pero empieza lo mejor. Es decir, tras las vacaciones, demos paso al buen cine. Arrebato es el título seleccionado para una nueva tanda de películas que no hay que dejar de ver. Fue filmada con pocos medios en 1979, se estrenó casi de tapadillo en un cine de Madrid, pero poco después, afortunadamente, fue recuperada por los cines Alphaville en sesiones nocturnas, y allí pudo ser descubierta por el público más joven del momento. Película de autor, compleja, libre, rica en sugerencias, fascinante en su tratamiento, es tanto una historia de vampiros como una reflexión sobre el propio cine, un acercamiento al mundo de la droga, una historia de atracciones, una comedia y también un drama insostenible… Iván Zulueta, que desgraciadamente no ha vuelto a dirigir para la gran pantalla, tenía tras de sí una amplia carrera como cineasta amateur. Películas en 8 mm., trabajos para TVE (el programa Último grito), y un largometraje musical, Un, dos, tres, al escondite inglés, que él no pudo firmar por cuestiones burocráticas, le avalan como director de un mundo personal. Hace cinco años hizo una presentación de Arrebato que ahora puedes consultar. Para esta nueva recuperación de su película, hemos tenido ocasión de entrevistar a Iván Zulueta y no sólo sobre Arrebato sino que también hablamos de su pasión por la fotografía, la pintura y el cartelismo. Creo que merece la pena conocer esta entrevista relajada y sincera en la que Zulueta charla animadamente. Eusebio Poncela, Cecilia Roth y Will More son los tres actores principales de esta historia, pero también podemos encontrarnos en un breve cometido con Antonio Gasset, hasta hace poco director del programa de TVE Días de cine. y con la divertida Marta Fernández Muro, y en un cometido menor a Helena Fernán-Gómez, sin olvidar a Carmen Giralt en el inolvidable papel de la tía Carmen (Aquí se pueden consultar los pases de la película en TCM)

De vacaciones

2008-02-09T12:11:36+00:00

Una pausa viene bien. Regresaremos a esta página la última semana de enero cuando el ambiente cinematográfico se haya vuelto a caldear. Será entonces el momento de hablar de Arrebato, la mítica película maldita de ese genio escondido que es Iván Zulueta, con quien mantendremos una larga y distendida conversación. Director de culto, creador inclasificable, pintor, cartelista, fotógrafo, y autor de pocas películas pero de fuerza extraordinaria. Arrebato es la película elegida para inaugurar la segunda tanda de películas de Diego Galán invita, el domingo 27 A ella seguirán otros títulos más o menos desconocidos que espero despierten el mismo interés que los anteriores. Opinad al respecto. Es bueno saber qué ocurre al otro lado de la pantalla. Hasta entonces os deseo buenas películas, tanto actuales como también de los grandes tiempos.

Para admirar más de una vez

2007-12-17T15:21:11+00:00

Missing (Desaparecido) es una película que conoce y admira medio mundo. Por lo tanto, no debería figurar en la selección de películas de este programa, que rebusca en títulos de gran interés pero generalmente desconocidos. Hay, sin embargo, varias razones para incumplir la norma. La primera, naturalmente, es rotunda: se trata de una obra maestra. Missing obtuvo la Palma de Oro del festival de Cannes de 1982, ex aequo con la película turca Yol, y también logró el premio al mejor actor, Jack Lemmon. Al año siguiente, entre otros muchos premios y nominaciones, la película fue galardonada con el Oscar al mejor guión adaptado. Está basada en la novela de Thomas Hauser que investigó la desaparición del joven norteamericano Charles Horman (interpretado por John Shea) durante los primeros días del golpe militar del general Pinochet. Su esposa (Sissy Spacek) trató de averiguar su paradero, pero sin éxito. Finalmente, el padre del muchacho llega a Chile con el fin de encontrarlo a costa de cualquier precio. La película denuncia con toda claridad la relación de Estados Unidos con el golpe militar a través de una historia concreta, que emociona y hasta llega a estremecer. La segunda razón: tuvimos la oportunidad de entrevistar a su director, Costa-Gravras durante el festival mexicano de Guadalajara, y una ocasión así no se podía despreciar. Costa-Gavras nos cuenta con detalle las vicisitudes del rodaje, la necesidad de filmar en México al no poder hacerlo en Chile, la minuciosidad de la reconstrucción histórica, las angustias sufridas por el gran Lemmon, actor que el director prefirió por encima de otros ya que ninguno como él podría encarnar al ciudadano medio norteamericano. Costa-Gavras es director de veinte títulosen los que se ha acercado con maestría a algunos de los momentos históricos de mayor trascendencia del siglo XX. Y siempre metiendo el dedo en la llaga aunque ello le haya provocado no pocas molestias. Para quien desee conocer más a fondo a este extraordinario director, hay un libro muy recomendable que analiza punto por punto su rica trayectoria. Su autor es el crítico y cineasta Esteve Riambau que lo escribió con motivo del homenaje dedicado a Costa-Gavras en el festival de Valladolid de 2003 habiendo sido reeditado el pasado año en el ya citado festival de Guadalajara. Y la tercera razón, si es que debe haber tantas, es que Missing es una buena despedida de esta primera temporada del programa. Sí, amigos, descansaremos durante el mes de enero, al menos hasta el domingo 27 en que Diego Galán invita continuará emitiéndose, y con otras buenas películas.

¿Quién demonios fue Rosaura?

2008-05-08T12:03:49+00:00

No sé cuántas veces he visto esta película. ¿Diez, veinte...? Perdí la cuenta. Ojalá que en los telespectadores que se animen ahora a descubrirla provoque un interés semejante. Es una modesta película argentina, en blanco y negro y scope, y fue filmada en 1958 por C, un clásico de origen italiano de extensa e interesante filmografía. Basada en la novela de Marco Denevi ha tenido diversas adaptaciones al cine, teatro y televisión. Josefina Molina dirigió una de ellas para TVE en 1978. El escritor Marco Denevi cuenta en Rosaura a las 10 una historia urbana en cinco versiones distintas, o mejor dicho, está contada a través de cinco versiones que se complementan aunque parezcan opuestas. Los personajes que las narran están convencidos de lo que ellos dicen es la única verdad. Y sin embargo... no todo es lo que parece. Todas estas versiones tienen un eje común: la llegada de la joven Rosaura a la pensión La madrileña, naturalmente a las diez en punto de la noche, tal como reza el título de la película. Todos vieron llegar a Rosaura, y todos la conocieron. Pero ¿quién es realmente Rosaura? Sólo después de la última de las cinco versiones, que es curiosamente la de una persona muerta, el espectador podrá entender lo que realmente ocurrió. Y probablemente se sorprenderá. Algunos actores son un lujo aunque evidencien su escuela teatral. Otros, en papeles pequeños, no son tan buenos. Pero nadie es perfecto, y esta película tampoco lo es. Pero si su proyección engancha, esos defectos acaban formando parte de su encanto. Destaquemos en el reparto a María Luisa Robledo como dueña de la pensión: actriz madrileña, exiliada durante la guerra civil a sus veinte años, nunca volvió a trabajar en España. Fue la madre de otra excelente actriz, Norma Aleandro. Falleció en Buenos Aires en 2005 a los 93 años. Quien sí trabajó en España fue la argentina Susana Campos, la hermosa Rosaura. En España hizo unas 20 películas pero su quehacer estuvo siempre en el teatro, el cine y la televisión de Argentina, donde falleció hace ahora 3 años. Y hay que destacar igualmente al gran caricato uruguayo Juan Verdaguer, el feo enamorado de Rosaura: actor de teatro y vodevil de enorme popularidad, pero que desgraciadamente hizo poco cine. Una curiosidad: otra de las historias del novelista Marco Denevi, Ceremonia secreta, también fue adaptada a la pantalla. La primera vez por Pedro Olea en su película fin de carrera de la Escuela de Cinematografía, bajo el título Anabel. Cuatro años más tarde fue llevada al cine largo por Joseph Losey con Elizabeth Taylor y Mia Farrow en los papeles protagonistas. Otro dato: Rosaura a las 10 fue presentada en el festival de Cannes de 1958 donde compitió con En el umbral de la vida, de Ingmar Bergman, La venganza, de Juan Antonio Bardem, Mi tio, de Jacques Tati o El largo y cálido verano, de Martín Ritt. La Palma de Oro fue para la película soviética Cuando pasan las cigüeñas, de Mijael Kalatazov. Ahí es nada.

Vivir en el paraíso

2008-02-09T12:12:12+00:00

La emigración es tema de enorme actualidad. Está entre nosotros. De ahí la oportunidad de estrenar esta semana en el programa Diego Galán invita la película argelina Vivir en el paraíso. No es algo extraño que en España no se exhiban normalmente películas árabes, aunque ello sea un error. Mucho más cuando en este caso se trata de una película premiada en varios festivales: Venecia (mejor primera obra de 1998), Jerusalén, Bruselas y Cartago, entre otros. Se trata de una coproducción entre Francia y Argelia con la colaboración de productores belgas y noruegos. Vivir en el paraíso fue la primera obra de su director, Bourlem Gerdjou, con quien hablaré antes de la emisión de la película. Gerdjou, hijo de argelinos, nació en Francia en 1965. Es, pues, francés de segunda generación. Sus padres emigraron a Francia en los años cincuenta soñando con el paraíso, y de ellos habla esta estupenda película. De un obrero argelino obligado a vivir en un barrio de chabolas a 30 km. de París, y que sueña con hacer venir de Argelia a su mujer y sus dos hijos. Pero al mismo tiempo en Argelia se está desarrollando la guerra de la independencia contra los franceses. ¿Qué debe hacer un inmigrante para luchar precisamente contra los franceses que le han acogido, aunque también le están explotando? La película está inspirada en la novela del también argelino Brahim Benaïcha, aunque, contrariamente a Gerdjou, él nació en el oasis, desde soñaba con Francia como un paraíso. Su autobiografía mereció el premio Aimé Barancy, que destaca cada año la revelación literaria de mayor relieve. Bourlen Gerdjou ha declarado que quería rendir un homenaje a aquellos inmigrantes que tuvieron que vérselas por un lado con el racismo y por otrocon la posible pérdida de su identidad. Gerdjou opina que estos emigrantes fueron los olvidados de unos y de otros, tanto de los franceses como de los propios argelinos. Viendo su magnífica película, y admirando a sus actores, especialmente Roschdy Zem, uno no puede por menos que involucrarse en la historia y creo que también emocionarse. Este actor, con cerca de cuarenta películas en su haber, fue galardonado el pasado año en el festival de Cannes por su trabajo en Indígenas, tontamente traducida en España como Days of Glory que fue seleccionada como candidata al Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Si no le tienes miedo a películas poco usuales en nuestras pantallas, no dejes de conocer Vivir en el paraíso

Una película que estremece

2008-02-09T12:12:29+00:00

La noche de los lápices, que se presenta el próximo domingo, no es una película apta para todas las sensibilidades. Contiene algunas secuencias duras. Ha habido espectadores a los que incluso se les ha hecho irrespirable. Pero en mi opinión vale la pena verla. Y mucho. Cuenta un hecho real, ocurrido en 1976. Diez estudiantes de bachillerato fueron secuestrados y torturados bajo la acusación de subversivos. Eran tiempos de la dictadura militar argentina, cuando los desaparecidos estaban a la hora del día. El director y productor Héctor Olivera consideró que aún no se habían hecho películas que hablaran abiertamente de este lamentable período, a excepción quizás de La historia oficial (Oscar a la mejor película de habla no inglesa en 1986), y se dispuso a cubrir el hueco. Olivera es el autor de otras películas políticamente comprometidas como La Patagonia rebelde, Oso de Plata en el festival de Berlín de 1974, galardón que volvió a obtener con No habrá más penas ni olvido, en 1983. Su trayectoria como productor cubre la filmografía del desparecido Fernando Ayala, así como las primeras películas de Adolfo Aristarain. Tiempo de revancha, por ejemplo, que aún puede verse en TCM) El caso de La noche de los lápices tuvo una resonancia extraordinaria gracias al testimonio del único estudiante que sobrevivió a la tortura, Pablo Díaz, que colaboró en el guión de la película, y a quien veremos en la presentación de la misma. Igualmente, Héctor Olivera será quien nos la presente, y en una breve intervención también el actor Leonardo Sbaraglia, que intervino en La noche de los lápices con quince años.

Cuando la reina era plebeya

2008-02-19T09:34:05+00:00

No creo que mientras rodaba En el nombre del hijo, a Helen Miren hubiera imaginado que diez años más tarde iba a encarnar a la Reina Isabel II, que precisamente en aquella película era su enemiga, y aún más que la propia Reina, la primera ministra Margaret Tatcher. Ahora, a punto de conocerse los premios de la Academia europea 2007 en los que la Mirren vuelve a estar nominada por The Queen –con una innumerable lista de galardones ya recibidos, incluido el Oscar– , tiene gracia recordar aquel momento de En el nombre del hijo en el que ella rehusaba sentarse bajo un retrato de la reina Isabel II. No es mas que una anécdota perdida en una película compleja, rica en matices y sorpresas, y realmente extraordinaria, como es En nombre del hijo, que se emitirá el próximo domingo en el programa que presento. Si alguien no sabe aún de qué trata, ahí va una ambientación histórica: En 1981 varios presos del IRA declararon una huelga de hambre en defensa de sus derechos. Fue un jaque al gobierno de Margaret Thatcher, que se mantuvo inflexible. La huelga duró 66 días y murieron 10 de los presos, entre ellos, Bobby Sands, el líder del grupo, convertido desde entonces en mártir. Lo que había comenzado siendo un intento de Londres de criminalizar a los presos del IRA terminó criminalizando ante los ojos del mundo al gobierno de Margaret Thatcher. En el nombre del hijo cuenta la tragedia de aquellos presos del IRA a través de los ojos y las vivencias de dos madres, espléndidamente interpretadas por Helen Mirren y Fionnuala Flanagan. De la primera ya hemos habado. A Fionnuala Flanagan los espectadores españoles la reconocerán por su trabajo en Los otros, de Alejandro Amenábar. Pues bien: ambas están magníficas en sus respectivos personajes, al principio enfrentados entre sí, luego amigados. Es frecuente que el cine británico ofrezca interpretaciones magistrales, pero en este caso, es en el trabajo de ambas actrices es precisamente donde se centra el núcleo de la historia. Y su vigor. Jamás he conseguido ver esta película sin emocionarme. Some Mother´s Son, que es el título original, es decir, Hijo de alguna madre, se tituló en España En el nombre del hijo, aprovechando el éxito de otra película carcelaria irlandesa, En el nombre del padre, que había sido nominada a 7 Oscar. En el nombre del padre fue escrita por Jim Sheridan y Terry George, y dirigida por el primero. Por su parte, En el nombre del hijo fue igualmente escrita por ambos, pero dirigida en solitario por Terry George, que hacía aquí su primera película. Ambos escribieron más tarde El boxeador, premiada en el festival de Berlín y ganadora del Goya a la mejor película europea de 1999. Luego se separaron, y Terry George dirigió por su cuenta, hace tres años, Hotel Rwanda, que fue tres veces nominada al Oscar. Terry George, 44 años en el momento de dirigir En el nombre del hijo, había sido detenido siendo adolescente como sospechoso de pertenecer al Ejército Irlandés de Liberación Nacional. Comprometido luego con el Partido Socialista Republicano fue condenado a 6 años de cárcel, de la que salió libre por buena conducta. Es decir, sus simpatías políticas están claras. Pero además de todo ello, hay que apreciar En el nombre del hijo por sus cualidades cinematográficas, por la emoción de la que antes he hablado y porque, quieras que no, trata de una siatuación que sigue siendo candente, con o sin IRA.

Qué difícil es la vida

2008-02-19T09:28:13+00:00

Me dicen que hay que renovar este blog con más frecuencia. Perdón. Se me va el santo al cielo. Hablaré entonces de la película que se emitirá el próximo domingo en el programa que presento. Se trata de otra película italiana. Confieso mi admiración por aquellas películas sociales que los italianos comenzaron a hacer bajo el paraguas del neorrealismo, y que lentamente fueron abriéndose al terreno de la comedia. En ocasiones a la tragicomedia áspera e impertinente, en la que entre risas se contaban cuantas tragedias vivía el país. Un buen ejemplo de este género es Los camaradas (I compagni), de Mario Monicelli, que ha sido muy recibida por los espectadores de TCM. Si aún no la conoces, hay previsto un último pase el sábado 24, día en que también se volverá a emitir Sembrando ilusiones, de Luigi Comencini, otra italiana, que no ha sido recibida con el mismo entusiasmo a pesar de su insólito reparto: Sordi, Bette Davis, la Mangano y Joseph Cotten. Pero esa es otra historia. La película de esta semana, Una vida difícil se ambienta nada menos que en la historia italiana desde la Segunda Guerra Mundial hasta los años sesenta. Y ello a través de un personaje bienintencionado, algo trepa, ingenuo, embustero y entrañable, que naturalmente interpreta el gran Alberto Sordi: un idealista de izquierdas que debe ir adaptándose a algunos momentos cruciales de la historia italiana: la guerra, la posguerra, el referéndum sobre monarquía o república, la muerte de Stalin, la democracia cristiana, el boom económico… Una vida difícil es, en mi opinión, una obra maestra. Han pasado a la historia del cine algunas de sus magistrales secuencias. La más famosa, sin duda, la cena de la pareja protagonista, muertos de hambre, invitados por error al palacio de unos príncipes decadentes que esperan el resultado del referéndum sobre monarquía o república. Pero no es la única. Aunque puede consultarse en versión original en youtube, la verdad es que aislada del conjunto de la película carece de sentido. Una vida difícil está llena de momentos extraordinarios como ese, algunos de los cuales se analizan en las escuelas de cine. Pero es en la totalidad de la película cuando adquiere su significado y su diversión. Hace pocos años organizamos en el festival de San Sebastián una retrospectiva sobre la comedia italiana. La titulamos Hambre, humor y fantasía. La inauguró Noble gesta, con la admirada Anna Magnani, y concluía precisamente con Una vida difícil. El ciclo tuvo tanto éxito que al año siguiente lo continuamos bajo el título El boom italiano, y esta segunda parte comenzó de nuevo con Una vida difícil. No tuvimos ningún reparo en repetirla ya que había entusiasmado al público. Espero que os ocurra lo mismo. Ps.- La foto de arriba sintetiza el humor de Alberto Sordi –Albertone, para los italianos- en I vitelloni de Fellini. Toda una declaración de principios. Otra advertencia: Una vida difícil se emitirá sólo en V.O. subtitulada

Fenomenal sorpresa

2007-11-11T20:38:53+00:00

Así calificaron algunos críticos el estreno en España de Tiempo de revancha, la fenomenal película de Adolfo Aristarain. Hacía mucho tiempo que el cine argentino no presentaba una película de tanta calidad, y tan valiente. Fue realizada en época difícil, en 1981, cuando Argentina aún vivía bajo la dictadura militar. Cuenta la historia de un desengañado militante de la izquierda (Federico Luppi), que decide vengarse de sus explotadores. La peripecia de este hombre nos tiene agarrados hasta el último momento que, por cierto, es inesperado. Adolfo Aristarain tenía 38 años cuando dirigió Tiempo de Revancha. Siendo entonces un director casi desconocido, su película se convirtió casi de inmediato en uno de los mayores éxitos internacionales, dentro y fuera de Argentina. Fue premiada en numerosos festivales. Aristarain había sido ayudante de dirección, entre otros del español Mario Camus; había dirigido algunas películas musicales de entretenimiento, muy propias en la época de los militares, y un primer filme negro, La parte del león, que no tuvo éxito. Tras Tiempo de Revancha, otras películas posteriores confirmaron su talento. Últimos días de la víctima, Un lugar en el mundo, Martín Hache, Lugares comunes, Roma… Mención aparte merecen los actores de Tiempo de revancha. Lógicamente destaca Federico Luppi. Con 45 años tenía tras de sí una brillante carrera. Sin embargo, llevaba seis años prohibido por la junta militar. A consecuencia de lo cual Luppi había abandonado la Argentina, y trabajado en teatro en España durante un tiempo. De hecho, su vinculación a esta película estuvo en suspense hasta el último minuto, pendiente de la autorización militar necesaria. Junto a Federico Luppi una serie de actores de reparto que son ya leyenda en el cine argentino, especialmente Ulises Dumont en el personaje del amigo a quien se le ocurre fingir el accidente, Julio de Grazia, el abogado corrupto, y la esposa, Haydée Padilla, que en aquellos años era la compañera de Federico Luppi. Todos ellos han trabajado en más de una ocasión con Adolfo Aristarain, especialmente Federico Luppi, que se transformó a partir de esta película en una especie de alter ego del director. Conclusión: si aún no la has visto, procura no perdértela

No estaba borracho

2008-05-06T21:59:32+00:00

Hombre, no. Ángel Vázquez no escribió su novela La vida perra de Juanita Narboni en estado de embriaguez. Es cierto que bebía mucho. Él mismo se consideraba a sí mismo un alcohólico. Pero la maestría de su novela no fue producto del alcohol sino de un inmenso talento que también derrochaba en la vida. Escribo esto con ganas de polemizar amistosamente con el estimado colega del blog De Cine. En uno de sus posts (Casablanca es Tánger) ha hablado de esa ciudad mítica en la que tuve la suerte de nacer. Y de Emilio Sanz de Soto, un hombre de talento que vivió aquel Tánger con pasión. Precisamente este fin de semana va a comenzar en aquella ciudad una primera semana de cine español. Y mira por dónde han organizado un homenaje a Emilio Sanz de Soto. Es verdad que a Emilio le fascinaba la actriz Constance Bennet, muerta hace ya cuarenta años, como se dice en De Cine. Pero Emilio no es un mitómano. sino un tipo que sabe d casi más que nadie y que junto a la Bennet admira también a otras muchísimas actrices de talento. Y a directores y a guionistas... Oír a Emilio hablar de películas es uno de los mayores placeres que le puede suceder a un cinéfilo Pero la polémica que entablo con mi colega de blog es referente al escritor Ángel Vázquez, el autor de esa novela genial que es La vida perra de Juanita Narboni, publicada por vez primera en 1976. Ha sido traducida a diversas lenguas y es motivo frecuente de tesinas universitarias y de análisis sesudos. No sólo porque retrata de forma magistral la decadencia de aquel Tánger de leyenda, ciudad con un régimen político excepcional y refugio de escritores, mangantes, sabios, estraperlistas, huídos políticos de diverso signo, homosexuales y drogadas. La vida perra de Juanita Narboni es una novela extraordinaria especialmente por su lenguaje, muy típico de la colonia judía sefardí. Vázquez entronizó esa forma de hablar en la literatura y la hizo grande. Vida/Perra, con una genial Esperanza Roy... pero que en lugar de Tánger la acción se desarrollaba en Santander. La segunda, hace dos años, dirigida por la marroquí Farida Belyazid... sin los medios económicos necesarios para recrear la ciudad de entonces, aunque también contó con una magnífica actriz, Mariola Fuentes. Ninguna de las dos películas, sin embargo, pudo transcribir el mágico mundo de la novela. Eso es imposible. Estoy de acuerdo con De Cine en algo sustancial: es aconsejable leer el libro. Leer, en definitiva.