Diego Galán Invita
Nadie ha visto todas las películas. Nadie lo sabe todo. Tampoco hay quien recuerde cuanto cine ha visto o que lo vea hoy con los mismos ojos de ayer. Todo cambia y el cine, afortunadamente, sigue ofreciendo grandes sorpresas. Vamos a disfrutarlas
07 Abril 2008
Despedimos esta temporada del programa hasta nueva ocasión. Nada más oportuno para hacerlo que un homenaje al gran Fernando Fernán Gómez mostrando una película que muchos consideran de sus mejores y en la que da cuenta de su talento como escritor, director, actor... y productor, aunque en ésta última materia nunca descollara nuestro admirado amigo.
En 1963 cumplía sus bodas de plata con la profesión de actor, y decidió aceptar todos los trabajos que le ofrecieran. Representó en teatro varias obras -– La sonata a Kreutzer, de Tolstoi, El pensamiento, de Andreiev, El capitán Veneno, de Alarcón…–, intervino en cuatro películas, y produjo, escribió, dirigió e interpretó El mundo sigue, que junto a El extraño viaje, que dirigió al año siguiente, forma el dúo maldito de su filmografía
La novela El mundo sigue, del académico Juan Antonio de Zunzunegui, entusiasmaba a Fernán Gómez. Un melodrama de corte realista, "amargo y triste", según el escritor Enrique Brasó, cuyo guión fue prohibido por la censura. Quizás porque la historia que cuenta, en palabras de Fernán Gómez, "muestra que cuanto mayores sean las claudicaciones morales de los individuos mejor les irá en la vida práctica.”
La censura acabó aprobando el guión a costa de suprimir la mayoría de los diálogos originales. Y una vez filmada la película se le concedió oficialmente la calificación artística más baja, otra forma de censura, ya que en aquella época significaba que no podía estrenarse en circuitos importantes. Y así ocurrió. El mundo sigue permaneció inédita durante varios años. Paradójicamente, hoy es una película de culto.
Otra paradoja es que a pesar del fracaso que supuso que El mundo sigue no fuera estrenada, Fernán Gómez recibió la oferta de dirigir El extraño viaje, que a su vez significó otro desastre ya que tardó cinco años en aparecer en la cartelera, y en un modesto cine de barrio como complemento a una película norteamericana en programa doble. Ambas, sin embargo, son las mejores películas dirigidas por Fernán Gómez, al menos hasta ese momento. Luego vendrían otras joyas como Mambrú se fue a la guerra o El viaje a ninguna parte, y para TVE Juan Soldado y la serie El Pícaro.
En el reparto figuran en papeles secundarios algunos de los actores que acompañaron a Fernán Gómez a lo largo de toda su carrera, María Luisa Ponte y Agustín González, junto a figuras señeras del teatro, Milagros Leal y Francisco Pierrá, y dos jóvenes actrices, Lina Canalejas y Gemma Cuervo, en los personajes de las hermanas enfrentadas hasta la muerte. Sin olvidar, claro está, al propio Fernán Gómez que interpreta al camarero obsesionado con las quinielas, a las que dedica toda su pasión.
Película atípica en la filmografía del director ya que carece de sentido del humor, tiene, entre otros méritos, el de ser un documental sobre el Madrid de los primeros años sesenta, en el que la miseria y el miedo se daban la mano.
Para presentar esta película hemos mantenido una conversación con la actriz Emma Cohen, compañera de Fernán Gómez durante los últimos treinta y siete años de la vida de éste. Emma Cohen, que considera El mundo sigue como la mejor película de su amigo, desgrana recuerdos y opiniones sobre el gran maestro y esta película insólita que, de no haber sido manipulada por la censura, quizás hubiera cambiado el rumbo de su vida. Y algo de la nuestra.
31 Marzo 2008
Robinson Crusoe es una de las películas menos conocidas de Luis Buñuel. No se la suele incluir entre sus grandes obras, pero cualquier trabajo de Buñuel tiene por sí mismo un interés especial. Y este Robinson Crusoe, una de las dos películas que rodó en inglés, contiene elementos tan puramente buñuelianos que ayudan a comprender mejor la personalísima poética del cineasta.
Se dijo con frecuencia que Buñuel examinaba a sus personajes de ficción como un entomólogo estudia a los insectos. En ese sentido estamos ante una película clave, ya que Robinson Crusoe, como se sabe, vive en soledad perdido en una isla. Ni Dios le oye, como Buñuel subraya. El náufrago debe aprender a valerse por sí mismo en un medio hostil. Para conseguirlo no le valen su educación burguesa, sus medios económicos, ni el Ejército ni la Biblia....
No desvelo nada. Todos conocen la historia de Robinson Crusoe, novela de Daniel Defoe que, por cierto, a Buñuel no le gustaba nada. Sólo le atraían sus personajes, especialmente Robinson en su soledad y en su relación con el indígena Viernes, personaje que podría haberse convertido en un amigo, pero al que Robinson considera un simple siervo. Ello ocurre más allá de la mitad de la película. Hasta entonces sólo hemos podido contemplar cómo Robinson se va adaptando a su melancolía...
El actor irlandés Dan O'Herlihy fue candidato al Oscar de 1955 por esta interpretación de Robinson. No lo ganó. Fue nada menos que Marlon Brando quien consiguió la estatuilla por su trabajo en La ley del silencio. Nada que objetar. Lo que es justo, es justo.
El guión original de Robinson Crusoe fue escrito con el seudónimo de Philip Ansell Roll por el norteamericano Hugo Butler, que había sido nominado al Oscar en 1941 por la película Edison, el hombre. El guionista se refugió en México escapando de la famosa caza de brujas del senador Mac Carthy, y colaboró con Buñuel tanto en esta como en la otra película norteamericana del famoso aragonés: La joven.
Escribió un primer tratamiento de Robinson Crusoe, al que más tarde se incorporaron los también exiliados Luis Alcoriza y Luis Buñuel; fueron ellos quienes añadieron las partes, digamos, surrealistas, muchas de las cuales fueron luego eliminadas por la productora en el montaje final. Lo que a Buñuel le interesaba, según él mismo dijo, era explorar el inconsciente del náufrago, algo que al autor de la novela, Daniel Defoe, le traía sin cuidado. Unas 13 veces se había adaptado al cine previamente sin rozar esa perspectiva.
Robinson Crusoe se rodó en México durante varios meses. Fue un trabajo difícil ya que por primera vez se usaba fuera de Estados Unidos el sistema Eastmancolor, según contó siempre Buñuel, aunque en los títulos de crédito de la película figura el sistema Pathé Color. En cualquier caso, era un sistema muy flojo que se ha ido desvaneciendo de las copias.
La película se rodó en inglés, y aunque en su emisión se ofrezca la posibilidad dual, aconsejo que se oiga en su versión original. El doblaje en castellano no es bueno, y como la mayor parte de la película se basa en una voz en off, no supondrá mayor esfuerzo para los reacios a la v.o. Disfruten con esta rareza de Luis Buñuel y no dejan de ver sus otras películas, algunas de las cuales están con todo derecho en lo mejor de la historia del cine
Aquí se pueden consultar los pases de Robinson Crusoe en TCM
24 Marzo 2008
Una de las películas más valientes y honestas que el cine español ha aportado en los últimos años, dijo la crítica cuando Smoking Room se estrenó a mediados de 2002.
Consiguió el premio especial del jurado, y los de mejor guión e interpretación masculina al conjunto de sus actores en el Festival de Cine de Málaga de aquel año. Luego, junto a otros premios, fue galardonada en el festival de Karlovy Vary, estuvo a punto de ser considerada la revelación europea del año y consiguió el Goya a la mejor opera prima, compartido al alimón por sus dos jóvenes directores.
Fue la primera película del catalán Roger Gual y del argentino Julio D. Wallovits. Tras esta feliz experiencia, rodada en régimen de cooperativa, han tomado caminos separados, pero no sería improbable que volvieran a colaborar. Desde luego, lo esperamos.
Smoking Room es un filme valiente e imaginativo, de briosa cámara en mano. Probablemente no había otra manera de cazar documentalmente las angustias y miserias de esos empleados de una empresa multinacional que solicitan una habitación donde poder fumar. Una anécdota de apariencia trivial que abre la caja de los truenos. La película nos va descubriendo a sus personajes en base a nerviosos diálogos u obsesivos monólogos en los que lo actores encuentran ocasión para el lucimiento personal. Lo cuentan muy bien Eduard Fernández y Manuel Morón en las entrevistas que hemos mantenido con ellos y que preceden a la emisión de la película. Hubo que elegir entre el amplio y magnífico reparto: Antonio Dechent, Ulises Dumont, Juan Diego, Frances Orella, Chete Lera, Pep Molina, y en un pequeño cometido la sin par Vicky Peña.
,Hay que sentarse y admirarlos. Incluso si no se es fumador. A fin de cuentas la película no habla tanto de tabaco como de libertad. De la inseguridad laboral y del miedo. Según la crítica de Manuel Márques, "se trata de un empeño arriesgado, un ejercicio de cine difícil, tanto en lo formal como en lo material, y del cual los autores salen no sólo airosos, sino exultantemente triunfadores." A no perdérsela.
Como siempre, aquí se pueden consultar todos los pases de la película "Smoking Room" en TCM.
17 Marzo 2008
Firelight es un melodrama con apuntes folletinescos, ambientado en la Inglaterra victoriana.
Un melodrama con todas las de la ley hasta el punto de que algún crítico español relacionó esta película con Ama Rosa, aquel serial radiofónico que hizo estragos en la España de los años cincuenta, y que más tarde tuvo una adaptación cinematográfica interpretada por Imperio Argentina. Pero nada que ver.
Firelight (A la luz del fuego) tiene calidad narrativa, un cuidado exquisito en la ambientación y en la puesta en escena, buenos y escuetos diálogos, y unas interpretaciones extraordinarias encabezadas por la actriz francesa Sophie Marceau, que hacen olvidar cualquier relación con melodramas precedentes, aunque aquí también haya una madre (en este caso una madre de encargo) que quiere recuperar a su hija al cabo del tiempo.
Firelight fue la primera película dirigida por el guionista y novelista William Nicholson. También la única hasta ahora. Nicholson ha cosechado éxitos con sus novelas –La sociedad de los otros, por ejemplo– una la trilogía infantil, El viento en llamas, y obras de teatro como La retirada de Moscú. Ha sido nominado al Oscar en dos ocasiones por los guiones de Tierras de penumbra, de Richard Attenborough y Gladiador, de Ridely Scott.
A la luz del fuego fue presentada en el festival de San Sebastián de 1997 donde obtuvo el premio especial del Jurado así como el de la mejor fotografía. Pero ahí no acabó todo. También consiguió el premio de la juventud que conceden unos 300 estudiantes de entre 17 y 21 años. Un galardón que sorprendió. ¿Qué tiene Firelight para haber seducido a un público adolescente cuando en principio una historia como la que cuenta podría estar alejada de su sensibilidad? Pero así fue.
La crítica, por su parte, avaló esta película romántica y sobria, con una espléndida fotografía y unos actores en estado de gracia. A pesar de tanto respaldo, se estrenó en España de forma casi clandestina, sin esfuerzos publicitarios, de forma mecánica. Y lógicamente casi nadie fue a verla.
Confío en que también ustedes se dejen prender ahora por esta película singular.
Aquí se pueden consultar todos los pases en TCM de Firelight.
10 Marzo 2008
Un soplo en el corazón se presentó en el festival de Cannes de 1971 junto a otras películas que marcaron época: El mensajero, de Joseph Losey, que ganó la Palma de Oro, Muerte en Venecia, de Luchino Visconti, Johnny cogió su fusil, de Dalton Trumbo, Sacco e Vanzetti, de Montaldo, junto a otras maravillas. Es inolvidable aquella edición del festival de Cannes.
El director francés Louis Malle, de 39 años, escandalizó en aquel festival con su noveno largometraje Un soplo en el corazón. La razón del escándalo estribaba en un incesto que él contemplaba con ojos limpios, sin asomo de culpa. Las gentes bien pensantes consideraron entonces que un supuesto pecado de esta naturaleza debía recibir un castigo ejemplar. Pero más allá de aquel escándalo tonto, Un soplo en el corazón es una película sensible e inteligente que habla del despertar a la vida de un adolescente de 15 años.
Se insistió mucho en el carácter autobiográfico de la película y su director lo negó siempre… aunque sin convencer a todos. Y es que, al igual que el propio Louis Malle, su joven protagonista tiene sus primeras experiencias sexuales en compañía de sus hermanos mayores; al igual que algún amigo igo de Louis Malle el muchacho de la película fue toqueteado por un cura pederasta; como Louis Malle, el adolescente de su historia pertenece a una familia burguesa de talante liberal en la que eran frecuentes las discusiones políticas…
La acción se desarrolla en 1954, en el momento en que Francia es derrotada en Indochina, en la batalla de Dien Bien Phu, tras casi un siglo de colonización. Ese cambio traumático en la sociedad francesa coincide con el cambio anímico y corporal del joven protagonista de Un soplo en el corazón.
Louis Malle acababa de regresar de la India de filmar un espléndido documental, Calcuta, experiencia que le marcó profundamente hasta el punto de comentar que ya no sabría hacer películas en un estudio y con actores. El clima de mayo del 68 que aún flotaba en el ambiente era propicio para la reflexión y la puesta en cuestión de todos los valores. Una vez fracasada la revuelta, fueron tiempos para la introspección.
Louis Malle se encerró a escribir y en 15 días terminó el guión de Un soplo en el corazón. Lo escribió sobre la marcha, sin saber él mismo en qué acabaría la historia. A pesar de tanta rapidez fue nominado al Oscar al mejor guión en 1973, premio que finalmente no obtuvo, aunque le permitió en poco tiempo abrirse las puertas de Hollywood.
Louis Malle fue un director inclasificable, no sujeto a normas, sin un estilo preestablecido, libre para acercarse a temas y géneros diversos. Falleció en 1995 a los 63 años a causa de un linfoma.
Veamos Un soplo en el corazón sin que ya pueda escandalizarnos. Y disfrutemos del exquisito pulso narrativo del director, de la espléndida actriz italiana Lea Massari, y de la revelación que en 1971 significó el chico Benoit Ferreux, hoy consagrado actor del cine francés.
Aquí se pueden consultar todos los pases de la película en TCM
03 Marzo 2008
Duerme, duerme mi amor es “una mis películas más frescas, más locas, más brillantes...”, según afirmó su director, Francisco Regueiro. Y es cierto, aunque otras de sus películas famosas, Las bodas de Blanca, Padre Nuestro ó Madregilda, tienen puntos de conexión con ésta.
¿Qué puede hacer un marido al que su esposa atosiga? ¿Separarse, matarla... o lo que decide finalmente el protagonista de esta película? A fin de cuentas los matrimonios no duran. Como ejemplo, basta en esta misma película la pareja de recién casados que se lían a bofetadas entre ellos en la misma iglesia momentos después de la boda.
La crítica alabó este esperpento de Regueiro que, sin embargo, pasó de puntillas por la cartelera. Fue estrenada en 1975 cuando se estaban viendo películas hasta entonces prohibidas. La distribuidora nortemericana encargada de la distribución de Duerme, duerme mi amor no le hizo especial caso. Sea lo que fuere, es este un buen momento para recuperar una comedia surreal en la que brillan el buen humor (negro) y sus magníficos intérpretes, José Luis López Vázquez, María José Alfonso, Rafaela Aparicio, Lina Canalejas, Manuel Alexandre y Lali Soldevila, entre otros.
Regueiro es escritor, caricaturista, pintor... y naturalmente director de cine. 10 son las películas que ha filmado desde que en 1962 compitiera en el festival de Cannes con su opera prima El buen amor . No tuvo suerte y la Palma de Oro recayó en El gatopardo, de Visconti. Pero Reguiero volvió a Cannes con Amador, su siguiente película, aunque hubiera sido previamente masacrada por la censura.
Vean y disfruten de este alocada historia que, finalmente, habla de una España que aún no ha desaparecido del todo. Una larga entrevista con Francisco Regueiro sirve de presentación.
Aquí se pueden consultar todos los pases de la película en TCM.
18 Febrero 2008
Una pequeña joya: "El ladronzuelo"
El pequeño ladrón, o mejor El ladronzuelo, apenas dura una hora. Se trata de un trabajo para televisión. Concretamente para una serie de seis películas, Izquierda/Derecha, que produjo el canal francés ARTE en 1999. Su intención era ofrecer una mirada política sobre la realidad francesa contemporánea. Pero fue tal el éxito de esta película, que acabó exhibiéndose en los festivales de Munich y Biarritz, en los que recibió premios, y más tarde en salas de cine.
Cuenta la historia de un muchacho de 18 años que por nombre sólo tiene una letra, S, quizás como un símbolo utilizado por el director, Erick Zonca, para subrayar la falta identidad de su personaje. “S” se gana la vida como panadero pero no está contento con su suerte. El trabajo es para él una esclavitud, y la panadería una cárcel. “S” busca nuevos caminos que le llevarán, como se verá enseguida, a ejercer la delincuencia en un entorno violento.
Se dijo en su día que la historia de “S” era común a otros muchos chicos de su edad, sin destino definido, con sensación de sentirse perdidos o inútiles.
La extraordinaria combinación de violencia y ternura, la brevedad de los diálogos, la intrépida cámara siempre a mano, la configuración de los personajes que nunca se contemplan en clave sicológica, conforman un retrato duro y sensible, no sólo sobre el personaje protagonista sino sobre su entorno.
Erick Zonka, el director, tenía algo más de 40 años cuando dirigió esta película. Había realizado previamente algunos cortos y un largometraje, La vida soñada de los ángeles, que obtuvo los mayores premios franceses de 1998, incluido uno del festival de Cannes. Pero Zonka, aunque parezca contradictorio, no tenía previsto dedicarse a la dirección cinematográfica. Había querido ser actor… pero actor del cine de Hollywood. Para conseguirlo se trasladó a Estados Unidos con la intención de seguir los cursos de una escuela de arte dramático. Pero lo que son las cosas. Allí se casó con una bailarina amante del cine europeo y junto a ella conoció en Nueva York las películas que no había ido a ver en Francia. Erick Zonka descubrió entonces un mundo nuevo y fascinante. Y se dedicó a él con entusiasmo, no sólo realizando cortos sino también numerosos spots publicitarios.
Zonka se toma el cine con calma. Tras La vida soñada de los ángeles y El pequeño ladrón ha tardado once años en dirigir su siguiente película, conservando siempre una cualidad de neófito en el mundo cine. En el actual festival de Berlín, que se está celebrando estos días, ha presentado su tercer largometraje, Julia. Pero esa cualidad de neófito fue aún mayor en el caso de Nicolas Duvauchelle, protagonista de El ladronzuelo. No era entonces un actor profesional ni había pensado en serlo. Lo suyo era estudiar Farmacia aunque lo que le gustaba era el boxeo, y precisamente por tener esa afición fue contratado para la película. Zonca no tenía tiempo para enseñar a boxear a un actor y prefirió enseñar a ser actor a un boxeador. Y lo consiguió. Desde que protagonizara esta película, Nicolas Duvauchelle se ha dedicado al cine en exclusiva.
Ha protagonizado ya más de 20 películas. Y ha sido modelo de diversas firmas de ropa o de perfumes. Su aspecto de chico guapo le ha abierto muchas puertas. En Francia le consideran la mejor promesa de los actores jóvenes.
El ladronzuelo fue considerada por buena parte de la crítica como una película heredera del estilo cinematográfico de Robert Bresson. No es mala comparación. La sobriedad en el lenguaje y la ausencia de juicios morales sobre la actitud de los personajes son algunas de las virtudes del maestro. Pero como ocurre con los buenos alumnos, Zonca ha hecho suyas las enseñanzas del maestro para construir su propio punto de vista.
11 Febrero 2008
James Whale hubiera pasado a la historia del cine sólo por haber dirigido tres de sus películas: Frankenstein, La novia de Frankenstein y El hombre invisible, tres joyas del cine de terror de los años 30. Pero por si fuera poco, en su haber también se cuentan las primeras versiones de El puente de Waterloo, Magnolia
James Whale había nacido en Inglaterra en 1899 y se suicidó en Hollywood en 1957. Escribió antes de morir: "El futuro no es más que vejez y enfermedad y dolor... yo necesito tener paz y ésta es la única manera de conseguirla."
Tras haber dirigido 50 películas se retiró del cine a finales de los años cuarenta, quizás forzado por la censura de Hollywood, que no toleraba su abierta homosexualidad. El novelista Christopher Bram se inspiró en los últimos años de su vida para escribir El padre de Frankenstein , novela de la que parte la película Dioses y Monstruos.
James Whale está encarnado por el gran actor británico Ian Mc Kellen. Fue premiado por este trabajo en los festivales de San Sebastián, Toronto, San Diego, y en varios otros, y fue naturalmente nominado al Oscar, trofeo que sin embargo no obtuvo. Recayó en Roberto Begnini por La vida es bella. Cosas que pasan.
Ian McKellen hace una creación antológica. La soledad de James Whale, su amargura, su humor, cínico y trágico a la vez, y también su alegría, son los conductores de esta película “de gran vuelo, escrita con rigor y brillantez por su excelente director, Bill Condon”, según escribió el malogrado crítico Ángel Fernández-Santos en El País.
“Percibí fue una persona a la que podía entender y con la que no me sería dificil identificarme, por lo que no dudé en aceptar reconstruir su figura y su vida, cuando comprobé que el guión estaba muy bien escrito", explicó el actor. Pero aun siendo Ian McKellen el eje central de la película, no hay que regatear elogios para el joven Brendan Fraser, que interpreta al jardinero heterosexual que enamoró por última vez a Whale, ni para la excelente Lynn Redgrave, que encarna a la cómplice y abnegada criada húngara.
El director Bill Condon tenía 45 años cuando dirigió esta, su segunda película para el cine. Por ella obtuvo el Oscar al mejor guión: 8 años más tarde fue nominado por el guión del musical Chicago, de Rob Marshall.
Su siguiente película como director, Kinsey, obtuvo una nominación a los Oscar y varias a los Globos de Oro, siendo premiada en diversos festivales. A ella le siguió Dreamgirls, que obtuvo igualmente dos Oscars y varias nominaciones, pero parece que su carrera no ha despertado tanto entusiasmo como prometía la magnífica película que presentamos esta semana.
* Domingo 17 Febrero
* Miércoles 27 Febrero
* Sábado 8 Marzo
* Miércoles 19 Marzo
* Lunes 24 Marzo
04 Febrero 2008
Robin de los Bosques con achaques
"Te amo más que a los niños, más que a los campos que planté con mis manos, más que a la plegaria de la mañana, más que a la paz, más que a la alegría, más que al amor, más que a la vida entera. Te amo más que a Dios".
Estas frases, pronunciadas por una monja, resumen con alegría la bella historia de amor que cuenta esta película admirable.
Robin y Mariam es hoy una obra maestra, reconocida por todos. Sin embargo, cuando se estrenó en 1976 cosechó un rotundo fracaso, y no sólo en España. La crítica fue implacable, y al público no le interesó la propuesta de ver al legendario Robin Hood transformado en un vejete con achaques.
Pero esa es precisamente la propuesta de la película. Ver envejecer a una leyenda viva, la del dinámico y valiente Robín de los Bosques, que ahora duda de cuanto ha hecho en su vida y que se siente decepcionado de lo que ha conseguido con sus cruzadas. Y que puede disfrutar aún del reencuentro con su viejo amor, Marian, ahora convertida en monja.
Hoy parece increíble que eso ocurriera con Robin y Marian , una película que goza de excelente buena salud. Es raro que los espectadores de entonces no se dejaron cautivar por esta tragicomedia, emocionante y tierna, regada toda ella con pinceladas de humor y una ironía inteligente.
Y más raro aún que no aplaudieran la interpretación de ese animal de cine llamado Sean Connery, o que no se dejaran fascinar por el rostro lleno de luz de Audrey Hepburn. Juntos son insuperables. Es un placer verlos.
El guión de Robin y Marian dio bastantes tumbos antes de que el director británico Richard Lester se hiciera cargo de él. Estaba escrito por James Goldman, entonces recientemente galardonado con un Oscar por Un león en invierno, pero ni aún así los productores se animaban a filmarlo.
El director Richard Lester se había dado a conocer 20 años atrás con la Palma de Oro obtenida en el festival de Cannes con The Knack o cómo conseguirlo, y especialmente por sus dos películas con los Beatles, Qué noche la de aquel día y Help.
Lester no dudó al conocer el proyecto, que quiso titular "La muerte de Robin Hood”, lo que hubiera sido un error. Como seguramente también lo hubiera sido que Albert Finney hubiera interpretado a Robin Hood. Vista hoy Robin y Marian, nadie mejor que Sean Connery para el personaje, que él llena de sutilezas. Connery acababa de interpretar El hombre que pudo reinar, de John Huston. Como se sabe, Connery quería desprenderse de la fama que le había dado el personaje de James Bond, e iniciar un nuevo camino como actor.
Pero a alguien se le había ocurrido que si Albert Finney volvía a formar pareja con Audrey Hepburn como en aquella maravilla que es Dos en la carretera, el éxito sería más fácil. Tampoco Audrey Hepburn estuvo segura para interpretar su personaje en Robin y Marian. Llevaba 9 años retirada del cine, dedicada a su familia. Temía regresar: con 47 años se sentía fea. Qué disparate.
La película se rodó en España, en Navarra especialmente, por lo que no sorprende descubrir en un pequeñísimo personaje a una Victoria Abril de 17 añitos, o a la más veterana Montserrat Julió. O a Gil Parrondo en los decorados y a Ivonne Blake en el vestuario: poco tiempo atrás ambos habían obtenido sendos Oscar por Nicolás y Alejandra, también rodada en España.
En las anteriores películas sobre Robin Hood todos los personajes iban siempre impecables; en esta, por el contrario, la ropa está usada, sucia… todos están sudados, el ambiente huele a estiércol. Tanto los protagonistas como los personajes secundarios, Robert Shaw, ya famoso por la película Tiburón, o Richard Harris, que ya había actuado junto a Sean Connery en Odio en las entrañas, otra película que habría que recuperar.
Acérquense a Robin y Marian con ojos nuevos. Y disfrutenla. No se van a arrepentir.
28 Enero 2008
En 1959 los padres y los dos hijos adolescentes de una misma familia aparecieron asesinados en una tranquila ciudad de Kansas. Los asesinos fueron dos pequeños delincuentes en régimen de libertad provisional que creían iban a encontrar en aquella casa un gran botín. Fueron ejecutados en la horca en 1965.
El escritor Truman Capote, junto a Harper Lee, autora de la famosísima Matar a un ruiseñor , entrevistó a la policía y a cuantos conocieron a la familia asesinada, y se amistó igualmente con los asesinos. Con ese material compuso uno de sus mejores libros, A sangre fría.
La actitud moral de Truman Capote ha sido discutida por la posibilidad de que explotara la tragedia de los condenados en su propio beneficio. Incluso se han hecho un par de películas sobre esta cuestión, una de ellas, Capote, de 2005, fue galardonada con el Oscar al mejor actor, Philip Seymour Hoffman, además de otros premios. La segunda película, Historia de un crimen (Infamous), tuvo la mala suerte de estrenarse más tarde y obtuvo menos galardones.
Capote calificó su libro A sangre fría como “novela de no ficción”, es decir, reportaje periodístico. Con ella abrió un nuevo campo en la escritura novelada.
El director de la película, Richard Brooks leyó el libro de Capote antes de que fuera editado. A Capote le gustaba la idea de que fuera Brooks quien dirigiera la película sobre su libro, y no era baladí la elección.
Brooks se había hecho famoso por sus adaptaciones literarias al cine: Los hermanos Karamazov, Lord Jim, Dulce pájaro de juventud, La gata sobre el tejado de zinc, y Elmer Gantry (El fuego y la palabra) , que obtuvo varios Oscar, uno de ellos el de mejor guión adaptado.
Tras la ejecución de los asesinos y la publicación del libro de Capote, Richard Brooks acometió la realización de la película respetando el libro de forma puntual pero haciendo a su vez otra obra de arte. Rodó en los lugares donde se había producido la tragedia, incluyó auténticas fotografías de los asesinados y le dio a la película el mismo tono de reportaje del libro.
Precisamente el que necesitaba para reforzar lo escalofriante de la historia. No sólo el asesinato a sangre fría de toda una familia, sino el asesinato legal en la horca de los dos asesinos, igualmente a sangre fría. La película es un alegato contra la pena de muerte.
¿Por qué mataron esos infelices? ¿Por qué les mataron a ellos?
El director tuvo problemas con el reparto. La productora quería a Paul Newman y Steve McQueen, dos estrellas de moda, pero Richard Brooks prefería a actores que no fueran conocidos. Eligió a dos, espléndidos por cierto, que resultan verosímiles.
Robert Blake había sido de niño el vendedor de lotería de la película El tesoro de Sierra Madre, de John Huston, y se hizo popular en series de televisión. Recientemente ha sido acusado del asesinato de su esposa. Scott Wilson, por su parte, continúa en activo. Incluso hizo un cameo no acreditado en la película Capote, como un guiño para cinéfilos.
Es posible que por primera vez tanto una película como el libro en que se basa hayan sido igualmente importantes.
De hecho, la película tuvo 4 nominaciones al Oscar, entre ellos el de mejor director, que finalmente obtuvo Mike Nichols por El graduado.
Han pasado 40 años desde que se rodó A sangre fría. Sigue siendo actual, está vigente. Véanla y admírenla (el domingo a las 22h será el primer pase)
Adelantamos un trailer en versión original.
(Aquí se pueden consultar los pases de la película en TCM)
22 Enero 2008
Se acabó lo bueno pero empieza lo mejor. Es decir, tras las vacaciones, demos paso al buen cine. Arrebato es el título seleccionado para una nueva tanda de películas que no hay que dejar de ver. Fue filmada con pocos medios en 1979, se estrenó casi de tapadillo en un cine de Madrid, pero poco después, afortunadamente, fue recuperada por los cines Alphaville en sesiones nocturnas, y allí pudo ser descubierta por el público más joven del momento.
Película de autor, compleja, libre, rica en sugerencias, fascinante en su tratamiento, es tanto una historia de vampiros como una reflexión sobre el propio cine, un acercamiento al mundo de la droga, una historia de atracciones, una comedia y también un drama insostenible… Iván Zulueta, que desgraciadamente no ha vuelto a dirigir para la gran pantalla, tenía tras de sí una amplia carrera como cineasta amateur. Películas en 8 mm., trabajos para TVE (el programa Último grito), y un largometraje musical, Un, dos, tres, al escondite inglés, que él no pudo firmar por cuestiones burocráticas, le avalan como director de un mundo personal. Hace cinco años hizo una presentación de Arrebato que ahora puedes consultar. Para esta nueva recuperación de su película, hemos tenido ocasión de entrevistar a Iván Zulueta y no sólo sobre Arrebato sino que también hablamos de su pasión por la fotografía, la pintura y el cartelismo. Creo que merece la pena conocer esta entrevista relajada y sincera en la que Zulueta charla animadamente.
Eusebio Poncela, Cecilia Roth y Will More son los tres actores principales de esta historia, pero también podemos encontrarnos en un breve cometido con Antonio Gasset, hasta hace poco director del programa de TVE Días de cine. y con la divertida Marta Fernández Muro, y en un cometido menor a Helena Fernán-Gómez, sin olvidar a Carmen Giralt en el inolvidable papel de la tía Carmen
(Aquí se pueden consultar los pases de la película en TCM)
24 Diciembre 2007
Una pausa viene bien. Regresaremos a esta página la última semana de enero cuando el ambiente cinematográfico se haya vuelto a caldear.
Será entonces el momento de hablar de Arrebato, la mítica película maldita de ese genio escondido que es Iván Zulueta, con quien mantendremos una larga y distendida conversación. Director de culto, creador inclasificable, pintor, cartelista, fotógrafo, y autor de pocas películas pero de fuerza extraordinaria.
Arrebato es la película elegida para inaugurar la segunda tanda de películas de Diego Galán invita, el domingo 27
A ella seguirán otros títulos más o menos desconocidos que espero despierten el mismo interés que los anteriores. Opinad al respecto. Es bueno saber qué ocurre al otro lado de la pantalla.
Hasta entonces os deseo buenas películas, tanto actuales como también de los grandes tiempos.
TCM no se hace responsable ni comparte necesariamente las opiniones vertidas por sus colaboradores.
Me gusta el cine como a casi todo el mundo pero con frecuencia prefiero ver películas olvidadas, especialmente aquellas que pasaron sin pena ni gloria por las pantallas o que mucha gente no ha podido ver porque fueron prohibidas o porque los comerciantes del cine las maltrataron.
Muchas veladas en mi casa han consistido en sorprender a los amigos con esas películas estupendas. Ahora tengo la oportunidad de programar algunas de ellas en TCM. Si quieres, las comentamos.
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