Una traducción más que peculiar para “This must be the place”, título original y que viene dado por la canción de Talking Heads del mismo nombre.

Al genio que pensó que “Un lugar donde quedarse” era un buen título supongo que no se le ocurre mucho ir al cine. Más que nada porque hace dos años habría visto esto:

Una película nada menos que de Sam Mendes (es decir, que no era nada oculto y secreto) cuyo título original tampoco tenía nada que ver: “Away we go“, pero mira, el genio creativo del título en español debía tomar la misma coc… acola que el otro.

Pero bueno, hablamos del “Un lugar donde quedarse” de Paolo Sorrentino, un director que me enamoró con “Il Divo“. Que no, no trataba sobre un grupo de presumidos en smoking cantando ópera para las chatis que jamás han escuchado ópera sino sobre Giulio Andreotti, peculiar (¿y cual no lo ha sido?) expresidente italiano. Ahora, con su peculiar tempo y estética, pasa a reflejar la vida de otro personaje peculiar y estrambótico: una exestrella del rock-pop llamada Chayanne.

Y ahí es donde entra el factor “Muchachada Nui”. Porque esta exestrella (¿extrella?) está claramente inspirada en Robert Smith, cantante y líder de “The Cure”, al menos físicamente (y en el transfondo gótico). Aunque luego, en lo biográfico, no lo esté en absoluto. Robert Smith tiene una estupenda relación con sus padres (aún los recuerdo, amables ancianitos, visitando Benicassim para ver tocar a su hijito, a un lado del escenario), se conserva bastante más enterito (dentro de lo RobertSmithiano de su personaje) y sobre todo, sigue con su carrera musical y subiéndose a los escenarios. Pero bueno, no hay que ser muy tonto para ver que esto:

Viene de esto:

Pero el problema está cuando, para el espectador español, la caracterización de Sean Penn (que está ESTUPENDO, todo sea dicho) sin querer recuerda más a… esto:

Pinche aquí para ver el vídeo

Aun así, en poco tiempo y gracias a la composición de Sean Penn (cómo les gustan estos personajes a los actores de este tipo, eh: jugositos, con sus tics, con su vocecica…) uno se intenta olvidar de la Muchachada y se mete de lleno en una película extraña, pretendidamente introspectiva y que deriva en Road-Movie de detectives/vengadores, pero suave, suave, su-su-suave.

¿Y funciona, Escri?

Pues… no sé. Creo que es de este tipo de películas que depende de que día te toque. A mí, me funcionó. Sé de gente a la que no, rotundamente. ¿Será cuestión de expectativas? Quizás. O igual me pilló en el día fácil, donde con el trabajo de Penn y el de Sorrentino creando escenas y cuadros divertidos de vez en cuando, me conformé (porque la historia es manida y algo floja en escaleta, todo hay que decirlo) y lo convertí en “especial” cuando me deleitaron con una actuación de mis añorados Talking Heads, de nuevo reunidos:

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De hecho, toda la banda sonora es del crack de David Byrne, que hasta se marca una secuencia con Sean Penn en lo que, otra vez, parecía un sketche de “Muchachada Nui”… hasta que Penn lo rompe en pedazos.
Por cierto, que no es la única conexión con el “Pop” que incluye la película. Tiene otra a modo de cromosoma con patas: Eve Hewson, la hija de Bono, de U2. (Otro que también me recuerda a la “Muchachada Nui”).

Eso sí, puestos a descubrir al director, vuelvo a insistir: ved “Il Divo”. Divertidísima.

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Todavía estoy conmocionado por este post del guionista Carlos López García: las verdades desnudas que contiene. Es un “Catálogo incompleto de errores frecuentes” que cometemos al escribir.

Hay que ser muy autoindulgente para no verse reconocido al menos en un 80%. No quiere decir que todos cometamos los mismos errores, ni siquiera que los cometa Carlos López (que como buen profesional que es, ya se encargará de que no lleguen a la versión final)… lo que este texto demuestra es que cuando nos ponemos a escribir hay que vencer varias resistencias.

Obviamente, la primera es la tentanción de no escribir. La segunda, la de lanzarse a llenar páginas sin tener ni puta idea de lo que se quiere contar.

Y luego está esa otra tentación: la de escribir con el piloto automático.

Lo peor de escribir con el piloto automático es que tú no te das cuenta de que estás escribiendo con el piloto automático. Tú estás tan cómodo, crees que la cosa va fluída… pero lo que estás haciendo en realidad es cagarla. ¿Cómo? Os remito al Catálogo de errores de Carlos López, una vez más.

De entre todos los errores que aparecen en él hay uno que me gustaría comentar. Copio y pego lo que dice Carlos. Él lo ha venido a llamar graciosamente “El momento Dabadá”:

“Empleo cuarenta páginas para contar dos semanas. A continuación, necesito contar que pasan unos meses en los que los personajes se acostumbran a su nueva vida y no parezco dispuesto a pensar una elipsis —las dos palabra mágicas: pensar, elipsis—, me da vértigo saltar en el tiempo, me avergüenza un rótulo. ¿Qué hacer? Ya está: una secuencia de montaje, la música ya-se-verá, siempre quedan tan bonitas. Para mí es fácil, encadeno unos cuantos desayunos, alguien que acelera al cruzar un paso de cebra, alguien que retira el libro cuando el otro se ha quedado dormido, el soplido que apaga las velas de la tarta, un momento de risa floja compartida… y por supuesto un atardecer, eso no puede faltar, si es con playa mejor que mejor. Odio las secuencias de montaje. Cada vez que veo una, doy por hecho que el guionista salió a tomar café”.
 

Tiene gracia, ¿no? El caso es que a mí también me han mosqueado siempre las secuencias de montaje. Abundan sobre todo en las comedias románticas, cuando te quieren contar esa parte de la película en la que el chico y la chica se lo pasan pipa, se compenetran guay… justo antes de que las cosas se tuerzan. Como es un coñazo y es muy difícil, te lo meten con musiquita para que así tú ya te hagas una idea y podamos pasar a lo siguiente. Un horror desde el concepto.

Pero claro, así como hay cientos de ejemplos de películas malas con secuencias de montaje, también están las otras, las buenas. Haberlas, haylas.

El la web de Flavorwire han elaborado un vídeo con algunas secuencias de montaje. Ellos las han llamado “The semi-obligatory lyrical interlude” (mola más el “momento dabadá”) y las definen como “escenas con enfoque suave y cámara lenta en la que suena una canción potencialmente pegadiza mientras que los amantes corretean por un entorno campestre”. O algo así.

Este es el vídeo:

Pinche aquí para ver el vídeo

Como podéis ver, contiene el momento playa y atardecer que decía Carlos López, incluídas las parodias con Leslie Nielsen (¡muuu grandes!). Pero lo más cachondo es que el autor del artículo de Flavorwire se lamenta de que, aunque parecían condenadas a desaparecer, resulta que hay un resurgimiento de este cliché tan hortera: “Estoy horrorizado por haber encontrado al menos tres ejemplos en el Festival de Cine de Tribeca este año”.

Está claro: si las hombreras vuelven, ¿por qué el dabadá no?

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Hay una película que no os podéis perder, sobre todo si cumplís alguno de estos dos requisitos:

1- Ser admirador del trabajo de Robert Crumb.

2- Que te gusten los buenos documentales.

Y si cumples los dos, he aquí una película con la que solazararte cual cerdo en un charco de barro. De hecho, lo raro es que no lo hayas hecho ya.
Yo mismo me pregunto: Escri, ¿cómo puedes haber vivido tanto tiempo sin ver este primor? No hay excusa: se estrenó en 1994… ¡¿Qué has hecho con tu vida?!

La película se llama Crumb. Su rodaje consistió en una “persecución” a Robert Crumb que duró 9 años, y que fue posible solo gracias a que su director, Terry Zwigoff, era amigo personal del dibujante.

Terry Zwigoff: como Danny de Vito, pero en flaco

Zwigoff es un cineasta singular; alguien que actúa movido por obsesiones personales. Fijáos en su filmografía, con solo cinco películas, tres de ellas relacionadas con el mundo del cómic independiente. La más conocida es Ghost World, una adaptación de la obra de Daniel Clowes (o sea, que si conocemos a Scarlett Johansson es gracias a este tío!!).

Zwigoff cuenta en una entrevista que al principio su idea no era hacer un documental centrado en la persona de Robert, sino hacer una película sobre los tres hermanos Crumb: Robert, Charles y Max. Zwigoff conoció a Robert cuando entró a formar parte de su banda de música y, con el tiempo, se quedó fascinado con los otros dos hermanos artistas de Crumb: una especie de familia Panero de la América profunda. Por extraño que parezca, Robert Crumb es el más equilibrado de todo clan, pero no necesariamente el más talentoso.

Precisamente, una de los puntos claves de la película es la enorme influencia que tuvo el hermano mayor (Charles) sobre Robert. Cuando eran adolescentes los hermanos producían cómics a destajo, en una especie de competición enfermiza entre los tres. Charles era el motor de esta competición y el que mejores resultados obtenía. Crumb explica en el documental la frustración que sentía al ver como su hermano le superaba una y otra vez… Y también cuenta ese momento fatídico en el que a Charles se le empieza a ir la pelota: sus dibujos se hacen más abigarrados y se obsesiona con llenar páginas y páginas con una letra cada vez más diminuta, hasta volverse totalmente ilegible. Lo triste es que, con el paso de los años, Charles se niega a salir de casa de su madre, y su vida se convierte en una tómbola interminable de intentos de suicidio, pastillas, depresión y aislamiento. Lo que no quita que Crumb y él se echen unas risas ante la cámara de Zwigoff cuando se ponen a recordar los viejos tiempos. Pero ¡eh!, cuidado, los viejos tiempos en esta familia se conjugan en frases como “hubo una epoca en que te quería matar, constantemente me venía esa imagen a la cabeza”… En fin, que los Panero comparados con los Crumb son una suerte de familia Simpson descafeinada.

El hermano Charles. Un encanto.

Recomiendo encarecidamente esta película, aunque solo sea por asistir al espectáculo de un Robert Crumb descojonado ante sus propias desgracias. Cuando más dura es la verdad a la que se le confronta, más se ríe él… Y claro, con ese bagaje, al final resulta que es uno de los tipos más risueños del planeta.

No obstante, cuando Zwigoff le enseñó lo que había hecho, el fruto de eso 9 años, Crumb no fue capaz de emitir un juicio sobre la película. Tan solo dijo que no quería volverla a ver nunca más en su vida.

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Aún no ha tenido tiempo de asimilar el disgustazo por la cancelación de su serie, y ya protagoniza otros dos titulares esta semana. El primero por debutar como director de cine a sus 75 años.

La película se llama Quarter, y trata sobre un grupo de viejos amigos que vive en una casa para cantantes de ópera retirados.

¿Pero por qué dirigir una película, a estas alturas? El productor Harvey Weinstein ha dicho que “habían decidido darle la oportunidad a un novato”, refiriéndose a Hoffman, claro.

Lo cierto es que Dustin ya lo había intentado una vez. Debía tener su espinita clavada, el hombre. En 1978 empezó a dirigir Libertad condicional, pero algo pasó, no lo vio claro, se hizo un lío con las bobinas… el caso es que se rajó. “Me despedí a mí mismo”, como ha declarado en alguna ocasión, y contrató a otro para que terminara lo empezado. En esta ocasión quizá le ayude el hecho de no tener que dirigirse a sí mismo, como sucedía en aquel primer intento.

Pero como ya he dicho, esta no ha sido la única noticia. Hay otra novedad en la vida de Hoffman, incluso más potente que la primera . Veamos, ¿qué cosa puede ser más llamativa y poderosa que cumplir tu sueño de dirigir una película?

No sé… ¿Salvarle la vida a una persona, quizás?

¡Tate! Este ha sido el otro titular protagonizado por Hoffman esta semana.

Yo no quiero parecer un cínico, pero se están poniendo un poco pesadas ya las estrellas de cine con esto de ir salvando vidas, porque es que no es que sean una o dos… ¡es que son un porrón! ¡Está de moda!

Que yo recuerde, al menos:

Johhny Depp salvó la vida de 6 extras en 2008, saltando sobre ellos con los brazos abiertos para apartarles de un vehículo fuera de control.

Brad Pitt salvó a un fan de morir ahogado en un canal de Venecia en agosto de 2008.

Tres años después Pitt  salva a una mujer de morir aplastada en un rodaje.

Patrick Dempsey ayudó a un adolescente que sufrió un accidente de coche el mes pasado.

Ryan Gosling impidió que una periodista británica fuera atropellada en una calle de Nueva York.

Mila Kunis ayudó a un hombre que se desmayó mientras trabajaba en su casa.

En fin, que en Hollywood el que no salva una vida es porque no quiere, o porque es un soso o un ser humano repugnante. Los actores son héroes por naturaleza (¿no os habíais dado cuenta?), lo que pasa es que sus obligaciones profesionales les mantienen alejados de sus verdaderos cometidos.

Si algún día se cumplen los peores pronósticos y el cine se va a tomar por culo… oh, qué día más triste para el arte, pero qué buena noticia para la humanidad.

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¡Jojojo! Naaa… no iban por ahí los tiros, tranquilos. Sí, es un titular sensacionalista, pero ya sabéis que, de vez en cuando, me gusta poner anzuelos así, para que piquéis. Antes me divertía poniendo tonterías sobre Johnny Depp, Orlando Bloom o Brad Pitt para que entraran las grupis locas carpeteras a decir burradas, ¡qué tiempos!

Pero ya no vienen a esta web esas locazas que ponían sus mails y sus teléfonos en los comentarios para que Hanna Montana les llamara y fuera a jugar con ellos/as creyendo que era ella misma la que escribía un post, en castellano, que la ponía a parir, por el mero hecho de contener una foto. ¿Habrán madurado? ¿Habrán aprendido la lección? ¿Estarán muy entretenidos jugando con Hanna Montana y yo soy el taradito? No sé…

El tema es que venía a hablar de las aptitudes actorales de Martin Scorsese. El tío siempre se marca un cameo en sus películas, la verdad. Así que, a lo tonto, tiene una filmografía como extra que no tiene nada que envidiar a otros grandes actores como Hitchcock o Gallardón, que saldrá en la próxima de Garci interpretando el papel de su tío-abuelo, Isaac Albéniz.

Me han maquillado tan bien como yo maquillo los presupuestos, oiga.

Magistral, ¿verdad? Tras el papel de Smithers, el más complicado para el discreto alcalde. Pero es que cuando a Gallardón se le mete algo entre ceja y ceja tiene que ser algo muy decidido. Porque para meterse ahí…

Un esclavo, un siervo, su más sincero ad-mi-ra-dor...

Volviendo a lo que decía: Scorsese, el cameista. Suelen ser cameos muy, muy evidentes, no sé si queriendo evitar lo que le pasaba a Hitchcock: que la gente perdía el tiempo buscándolo. El director inglés optó por salir de manera visible y al principio del metraje para hacer más corta la espera y la tensión. Scorsese, que tampoco es que provocara la misma reacción, optó por hacerlo evidente, bien sea por eso, bien porque le mola aparecer en una película de Scorsese. Oye, tiene sentido. Igual te hacía un papel con líneas y líneas de texto que te hacía una aparición loca como esta en “¡Jo, qué noche!” (Magistral título ibérico):

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La verdad es que al hombre no se le daba del todo mal. Se defendía en sus papelitos. Quizá porque eran cosas que controlaba, quizá porque ensayaron mil veces, quizá porque lo que vimos al final era la toma 25. Quién sabe. El tema es que en directo, en comedia y a una edad, la cosa parece más difícil. Pero aun así, ¡Martin es Martin!

El sábado aparecía Martin haciendo otro “cameo”, as himself, nada menos que en el Saturday Night Live. Allí, Sacha Baron Cohen (que actuó en su película “La Invención de Hugo”) fue invitado en su papel del Dictador Aladeen (¿lo pillas? -codazo, codazo, guiño-) para promocionar el inminente estreno y comentó, en el falso informativo del programa, que su película estaba teniendo maravillosas críticas… totalmente libres y voluntarias. Y para ejemplo lleva a un maniatado y encapuchado Scorsese para que lo confirme en un divertido sketche en directo:

Con la intro de “Hola América… ¡y muerte a occidente!” Sacha comenta que los críticos no han recibido presión alguna (como nos va mostrando en una carta ensangrentada y unos pulgares cortados) para poner la película por las nubes y acaba con un Scorsese torturado que confiesa que incluso es mejor que “Toro Salvaje”. Tras las descargas le dice a su esbirro que lo vuelva a llevar a la “cueva donde tenemos a Coppola” y Martin protesta diciendo que le prometió liberarle. Aladeen le replica que sí, que él también prometió que Hugo duraría menos de dos horas… brillante.

Pero en el papel de Martin, el gag físico radica en las descargas de una batería de coche aplicadas a sus… a su fábrica de testosterona. Y ahí es donde vemos que Martin no lleva muy bien el timing de las descargas, la verdad. De hecho, la última ni le afecta. Vaya, Martin.

Y ojo. Podríamos pensar, como el título del post dice, que es porque Martin no es buen actor. ¡Pero no! ¡No oséis insultar al Maestro! ¡Si Martin no hace el paripé con las descargas esas es porque tiene los c****** de acero y al aplicarlas ni se inmuta!

Vale, igual ahí me he pasado.

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¿Sabéis aquel dicho según el cual todo el mundo tiene un don? Una actividad que realizamos a la perfección: ya sea algo artístico, como pegar los sellos en las cartas con rectitud milimétrica, preparar un cocido fabuloso o memorizar las letras de todas las canciones.

Pues yo creo que también existe lo contrario. Es decir: cosas que son aparentemente sencillas pero que a nosotros, por alguna razón, no se nos da. No es lo nuestro y ya está. A mí, por ejemplo, se me da fatal freír un huevo. Y a estas alturas de mi vida os juro que soy capaz de cocinar cosas mucho más elaboradas, pero los huevos… no sé, se me resisten. En el mejor de los casos me quedan así:

Pues eso es lo que le pasa al cineasta Werner Herzog (conocido, aparte de por su trabajo, por ser archienemigo de Klaus Kinski), que tiene una discapacidad absurda. Lo cuenta en el vídeo que hay más abajo y yo, os lo traduzco:

“Para mí, un hombre es un hombre, así que no sé distinguir un hombre gay de un hombre hetero.

Bueno, hasta aquí nada demasiado raro. A todos nos ha pasado que “sorpresas te da la vida, la vida te da sorpresas”. Pero claro, depende de qué persona estemos hablando, y de la cercanía que tengamos con ella, y de lo reservada que sea…

“Después de 35 años de amistad con John Waters, el otro día me volví hacia mi mujer y le comenté: ‘Tengo la sensación de que John es gay”.

Pinche aquí para ver el vídeo

Esto ya es un poco fuerte: hace falta ser poco perceptivo para pasarse 35 años alternando con John Waters y no olerse el percal. Él, que no ha ocultado nunca su homosexualidad, que ha salido hablando de ello en publicaciones gays y que, como dice en este vídeo, supo que lo era desde su más tierna infancia, en el momento el que vio a Elvis Presley.

Pues el bueno de Herzog sin enterarse. Me hubiera gustado ver la cara de su mujer cuando le fue a contar su ‘corazonada’. Pero bueno, lo importante es que ya con toda la información sexual en la mano, Herzog no escatima elogios para Waters:

“Le quiero mucho. Es el más audaz de los cineastas audaces. Me gustaría tener las agallas de este hombre”.

¿Y vosotros? ¿Podéis presumir de tener extrema torpeza para alguna cosa absurda y anodina?

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No me miréis así, sí, os mentí, pero lo hago por vosotros, ¡por vuestro bien! Pero tranquilos que no haré como nuestro gobierno y no voy a decir que es para bien y un planazo y a la vez pediros perdón (esto es curioso, ¿verdad? Los tíos dicen que no pasa ná, que es todo buenísimo y a la vez lamentan hacerlo y le echan la culpa a otros. ¡Gran estrategia!). De hecho: os lo recomiendo.

Id a verla. Disfrutadla. ¡Vividla como críos!

El reto es difícil. Si la adaptación de un personaje de cómic de superhéroes es bastante difícil, donde tienes que pelear con los frikis y con los espectadores que nada saben del mismo (más que alguna camiseta de Inditex) y agradar a ambos para acertar. Muy pocos lo consiguen. Pues bien, en esta, Joss Whedon (con la ayuda de Zak Penn en el guión) no solo ha conseguido hacer una película más que entretenida (ayuda y cómo ese clímax final apabullante) y divertida sino que dudo que haya algún amante de estos cómics que le pueda poner pegas. Que los habrá. Porque somos unos tarados. Pero hablo de uno verdadero, no del que quiera llamar la atención.

¡Y lo ha conseguido no solo con un personaje protagonista, sino con siete… y un villano. Con dos coj… horas. Con dos horas.

Porque sí, ha conseguido lo que para mí era más difícil: que todos tuvieran su momento, que todos compartieran importancia, en su esencia, dentro del devenir de los acontecimientos. Todos son clave. Son un equipo. Respiran como tal. De hecho lo hacen incluso más que en la mayoría de los cómics que representan.

Y sobre todo, lo hacen de una manera muy divertida. Y uso la palabra “divertida” no porque la V puntúe con 4 y la D con 2 y haya dos así que con un triple tanto de palabra os meta 42 puntacos más otros 40 por usar las siete letras… (Vaya. Debo jugar menos al Apalabrados). Bueno, que no uso “divertida” al azar. La uso porque en todo el guión la diversión está asegurada por 2 aspectos: el entretenimiento y el humor. Humor bien colocado, visual, de texto, referencial… con inteligencia. Y creo que es uno de los puntos que hacen que la película esté siendo un éxito.

El otro: que pese a contar aventuras de cuatro personajes con película propia puedes meterte en ella sin saber nada de las anteriores. O bueno, sabiendo las cuatro cosas que se saben entre la cultura popular y lo que es inevitable saber por el acoso mediático al que habrás sido sometido estas semanas.

Solo una par de peguitas (si no, no sería yo). La primera la pongo avisando, porque pueden tener algo de SPOILER, os aviso. (SPOILER, para leer selecciona con el cursor el trozo en blanco a continuación y lo verás): ¿Por qué de pronto Hulk puede controlarse? ¿A santo de qué? Entiendo la “necesidad” para la historia pero… es un “porque sí” medio “Deus ex machina” por la patilla un poco jeta. Aunque tan épico y divertido que oye, cuela. (FIN SPOILER). Y la segunda es más personal. Es el Capitán América. Os aviso que me encanta el personaje en los cómics, pese a todo el tufillo republicano y patriotero yankie de propaganda. Quitando eso ha protagonizado grandes tebeos. De hecho, no me molesta su personalidad. Me molesta… su disfraz. Sí. Sobre papel, en cómic, fenomenal. El papel lo aguanta todo. Pero el celuloide… no sé. Lo siento, pero veo esto… y me da la risilla. ¿A vosotros no?

Y eso que entre sus colegas hay un semi-dios, una jamona en posturitas y un monstruo verde gigante, pero es que me canta mucho, no puedo evitarlo. Eso sí, cuando se quita la capucha, mejora muchísimo y se hace muy potable. Igual esa es una idea para apuntar en futuro (de hecho creo que lo han hecho y por eso en casi toda la película lleva la capucha quitada).

El pequeño friki que llevo dentro vibró con cada pelea, con el Helicarrier (ese portaaviones volador) clásico de SHIELD, con el Quinjet (el “avión” de los Vengadores), con esos uniformes de SHIELD, con las adaptaciones de Viuda Negra y Ojo de Halcón, con que Loki sea el enemigo de Los Vengadores en su primera reunión, como en el clásico número 1 de 1964…

… añadiendo a los Chitauri, los primeros enemigos de entidad de la primera unión de Los Vengadores en su versión Ultimate. Una línea editorial que en el año 2000 puso el contador a cero y volvió a empezar a contar todas las historias del Universo Marvel pero adaptadas a los tiempos modernos en tecnología, conocimientos, tendencias estéticas y, por qué no decirlo, cinismo y pesimismo globalizado.

Y, para colmo, con esa escena final, después de créditos. Esa promesa de una segunda parte. Ese: “vendrá más”. (Si no te fijaste y te fuiste del cine antes de tiempo, aquí tienes una grabación un poco chunga de ese momento: PINCHA). Esa aparición de nada menos que (SPOILER: para leer selecciona con el cursor el trozo en blanco a continuación y lo verás) Thanos… ¿con las gemas y el guantelete del infinito? esto promete. (FIN SPOILER)

Pero antes, “Iron Man 3″, “Capitán América 2″ y “Thor 2″. No son listos ni nada, estos de la Marvel…

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A veces lo contamos para que seas un voayeur, para que mires sin ser observado, cotilleando todo lo que ocurre.

Para que, como contaba Robert de Niro en “El último magnate“, pongas un nikel en la mesa y empiecen a ocurrir cosas frente a ti.

Pinche aquí para ver el vídeo

Pero otras veces, esa visión protegida, desde la mesa, observando sin ser observado, se rompe. Desde la película… te miran. Se rompe con la misma falsedad con la que pasan cosas en la pantalla: con magia. Porque, realmente, no está pasando en si, una proyección no puede mirar. Pero la famosa cuarta pared, se hace evidente. Estás ahí y la película lo sabe. El personaje, lo sabe.

Hay muchos tipos de ruptura: para hablar directamente al espectador en un modo narrador, para establecer simplemente un guiño de complicidad, para buscar una aprobación o desaprobación en el espectador sobre una decisión que ha tomado o debe tomar (tipo ¿tú qué harías/hubieras hecho?) o simplemente, porque se trata de un plano subjetivo y la cámara toma el punto de vista de uno de los personajes.

Pues bien, un crack ha reunido una cantidad brutal de estos momentos de ruptura, de mirada desde la película al espectador, y los ha montado en un vídeo memorable. Imposible no verlo y emocionarse y pensar que el Cine es una auténtica maravilla. Y si no, vean:

Pinche aquí para ver el vídeo

El vídeo está editado por un tal Brutzelpretzel y que usa la canción (tan karaokil) de “Can’t take my eyes off you”, en versión de los Manic Street Preachers y en una pequeña parte (gracias a Dios), por Muse.

Y pese a que muchos de los planos que pone (al menos 3 o 4) creo que no son estrictamente miradas a cámara (me da que hay más de una que son miradas en dirección hacia donde está puesta la cámara, pero no a ella directamente ni con esa intención) la búsqueda es heróica y titánica.

Si os preguntáis cuales son (si hay dudas en algunas) o si queréis jugar a ver si las adivináis todas, aquí os dejo el listado. Vaya cantidad de BUEN CINE, señores. Ese cine del que uno es incapaz de quitarle el ojo de encima…

00:00 Titanic
00:02 The Age of Innocence
00:04 The Rocky Horror Picture Show
00:05 Singles
00:06 Harry Potter and the Prisioner of Azkaban
00:07 Goodfellas
00:09 Coraline
00:11 Rebecca
00:13 Superman
00:15 The Curious Case of Benjamin Button
00:19 The Big Lebowski
00:21 The Muppets Christmas Carol
00:24 The Sixth Sense
00:27 Les Quatre Cents Coups
00:31 Witness
00:32 Once Upon a Time in the West
00:35 Boogie Nights
00:38 Ying Xiong (Hero)
00:40 Le samouraï
00:42 Trading Places
00:44 Scott Pilgrim vs The World
00:45 Shallow Grave
00:47 A Scanner Darkly
00:49 Apocalypse Now
00:52 Con Air
00:54 Tinker Taylor Soldier Spy
00:56 The Ides of March
00:59 Napoleon
01:01 2001: A Space Odyssey
01:04 Groundhog Day
01:06 Ratatouille
01:07 Crank
01:08 Die Hard
01:09 Raising Arizona
01:11 Wayne’s World
01:12 The Fantastic Mr. Fox
01:13 Pulp Fiction
01:14 The Graduate
01:15 Fear and Loathing in Las Vegas
01:16 Christmas Vacation
01:17 Brazil
01:20 Amélie
01:22 Ferris Bueller’s Day Off
01:24 Braveheart
01:26 The Devil’s Advocate
01:27 Breaking the Waves
01:29 American Beauty
01:31 Back to the Future II
01:34 The Fountain
01:36 Un Prophète
01:38 Zatoichi
01:40 The Fifth Element
01:42 Alfie
01:44 Three Amigos!
01:45 The Artist
01:48 Married to the Mob
01:51 Rushmore
01:54 The Girl with the Dragon Tattoo
01:56 Romeo + Juliet
01:59 The Girl with a Pearl Earring
02:02 The Fellowship of the Ring
02:06 Secretary
02:10 Kill Bill Vol. 1
02:13 Le Escaphandre et le Papillon
02:16 Strangers on a Train
02:21 Funny Games
02:23 In the Line of Fire
02:25 Fight Club
02:27 Misery
02:31 Clockwork Orange
02:34 The Silence of the Lambs
02:37 Metropolis
02:39 Sunset Boulevard
02:42 Psycho
02:47 The Shining
02:48 Mars Attacks!
02:49 Bronson
02:50 Evil Dead II
02:52 Austin Powers: The Spy who Shagged Me
02:53 Rashômon
02:55 Black Swan
02:57 The Exorcist
02:58 The Night of the Living Dead
02:59 Les Yeux Sans Visage
03:01 Nosferatu
03:03 Vertigo
03:05 Invasion of the Body Snatchers
03:07 Home Alone
03:09 True Lies
03:10 A Christmas Story
03:12 Robocop
03:14 Full Metal Jacket
03:15 Do the Right Thing
03:17 The Silence of the Lambs
03:19 Dead Man
03:20 Bad Lieutenant
03:22 Bad Boys
03:23 Dip Huet Seung Hung (The Killer)
03:24 Idi i Smotri
03:25 Goodfellas
03:27 Hanna
03:28 The Great Train Robbery
03:30 La Haine
03:32 Saturday Night Fever
03:35 Stranger Than Fiction
03:38 Super
03:40 Steamboat Bill, Jr.
03:43 Tangled
03:44 Trainspotting
03:47 Rango
03:49 Enter The Void
03:52 The Royal Tenenbaums
03:54 Black Narcissus
03:55 American Beauty
03:57 Lady in the Lake
04:00 The Virgin Suicides
04:02 Rear Window
04:03 À Bout de Souffle
04:04 Little Children
04:05 Nine 1/2 Weeks
04:06 Spellbound
04:07 Splice
04:09 25th Hour
04:10 Cat People
04:11 Strange Days
04:12 Duck Soup
04:14 Annie Hall
04:17 The Kid
04:20 Neverending Story
04:21 Zoolander
04:23 High Fidelity
04:25 JCVD
04:26 Oldeuboi (Oldboy)
04:28 Raging Bull
04:30 Gran Torino
04:30 Ying Xiong (Hero)
04:33 Shoot’em Up
04:35 Jaws
04:36 Addams Family Values
04:37 Escape from LA
04:37 Donnie Darko
04:39 The Darjeeling Limited
04:40 Hugo
04:41 Persona
04:42 The Red Shoes
04:43 Magnolia
04:45 Le notti di Cabiria
04:50 The Truman Show

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Diane  es la fotógrafa que se hizo conocida con sus retratos en blanco y negro de toda clase de gente, pero especialmente de travestis, vagabundos, gigantes, enanos, discapacitados… Decía que quería fotografiar todo aquello que  la horrorizaba y atraía por igual.

Hace unos años se estrenó una película sobre ella, en la que Nicole Kidman interpretaba a Arbus. No la he visto, pero de entrada me desagrada una actriz tan “fina” como la Kidman metiendo su naricita en una personalidad aventurera y desnihibida como la de Arbus. Sospecho que debe ser una versión bastante edulcorada. E intensa… muy intensa.

Muchas veces se ha acusado a Arbus de morbosa, y ciertamente lo es, ¡pero bendito morbo!, cuando  está despojado de toda maldad e hipocresía. Observar sus fotos le lleva a uno preguntarse si, en realidad, ese no mirar compasivo que practicamos por sistema y educación, no es más que otra barrera para alejarnos de lo que preferimos evitar. Como esos sumergimientos repentinos en las novelas, que se dan cada vez que un pedigüeño entra en el vagón del metro.

Guste o no, el trabajo de Arbus es sobrecogedor. Y ha influido mucho en mucha gente, de distintos ámbitos. Obviamente, en el campo de la fotografía. Pero en el cine también. Conocido es el homenaje que le hace Stanley Kubrick en el Resplandor. Si no, mirad estas gemelas que Arbus fotografió en 1967.

"Ven a jugar con nosotras... para siempre"

A los padres de las niñas no les gustó nada la fotografía. Dijeron que era una distorsión y que Arbus lograba que sus hijas parecieran fantasmales. Trataron de impedir su reproducción, porque temían que la imagen fuera explotada. Y no se equivocaron. Con el tiempo se convirtió en la más famosa de las fotos de Diane y se reprodujo en multitud de carteles, aparte de la inspiración que supuso para Kubrick en esta escena.

Pinche aquí para ver el vídeo

¿Homenaje o copia?

El hecho de que la copiaran (que lo hacían, y mucho) no halagaba en absoluto a Diane. Al contrario: se ponía bastante iracunda con el tema. Según Bosworth, era muy susceptible: “Diane solía quejarse de que la imitaban y, a fin de que no puedieran hacerlo, decidió utilizar diferentes cámaras para cambiar sus imágenes”.

Diane Arbus, con uno de sus trabajos

No hubo reacción de Diane a lo que hizo Kubrick: la película es de 1980 y ella se suicidó en 1971.

¿Pero cómo se lo habría tomado?

A mí me hace gracia pensar que quizá no le habría parecido tan mal, primero porque al tratarse de medios distintos, la hipótesis del homenaje gana peso sobre el de la imitación. No en vano, ella misma había reconocido lo mucho que influyó en su trabajo el visionado de otra película, Freaks.

La otra razón por la que Diane hubiera podido ser comprensiva con Kubrick,  es que fueron amigos. Al menos en su juventud, lo fueron. Como ya se ha contado en multitud de sitios, antes de convertirse en director, Kubrick trabajó como fotógrafo para la revista Look en la década de los cuarenta . Diane por aquel entonces hacía reportajes de moda. Según Bosworth, eran colegas y se paseaban  juntos, y quien sabe si algo más.

Y hasta aquí llegan mis especulaciones. Puede que cuando termine de leer el libro opine otra cosa. De momento, os dejo aquí un enlace a algunas de las fotos que Kubrick hizo para la revista Look, y otro con varios trabajos de Arbus.

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Internet puede ser decepcionante. Hasta el punto de hacerte sentir un poco pagafantas: siempre estás “a punto de”… pero luego nada.  Eso me pasa a mí hoy: llevo tiempo buscando una vídeo que, parecía, iba a ser fácil encontrar, por su caracter histórico y tal… Error. Quimera inalcanzable. Ha sido imposible. A lo máximo que he llegado es a localizar esta fotografía:

Pertenece a un capítulo de una serie de televisión (el mismo que estoy buscando), titulado “Auf  Wiedersehen”. Se emitió en 1958 y fue la primera vez que un actor negro (Sammy Davis Jr.), interpretaba el papel principal en un programa de este tipo.

Sammy contó en su biografía (1989) que no le fue fácil conseguirlo. Se recordaba a sí mismo exigiéndole papeles en televisión a su agencia. Siempre le daban largas; decían que un actor negro podía desagradar a las audiencias del sur. Él preguntaba entonces si sabían lo extraño que era para 5 millones de niños negros no ver casi nunca en televisión a alguien de color: “es como si ellos, y sus familias, y sus amigos no existieran”.

Mientras tanto, Ronald Reagan hacía de presentador en una serie para la CBS. Su sponsor era la General Electric (así se entiende que se titulara  “General Electric Theater”). Cada capítulo era una adaptación de una novela, relato corto, película, etc.

Por ella pasaron historias de decenas de escritores,  tan prestigiosos como Sherwood Anderson, Cornell Woolrich, Henry Ibsen… y Kurt Vonnegut.

De Kurt Vonnegut ya he hablado aquí, porque es un escritor que me gusta. En aquel año de 1958 Kurt era, al igual que Sammy, un talento emergente. Alguien que todavía tenía mucho por demostrar.

Fumando espero... el éxito que yo quiero

Había publicado una novela y varios relatos. Uno de ellos trataba sobre un niño que vive en un orfanato alemán. Es el único negro: todas las caras que ve allí son blancas, así que cuando el chaval conoce a un soldado americano de su mismo color (Sammy Davis Jr.), piensa que ha encontrado a su padre. El soldado es también huérfano, conoce la soledad, y no puede evitar caer en la tentación de dejar que el chico le crea su padre.

Ese argumento fue el que convenció a la CBS, y decidieron usarlo. Sammy al fin tuvo su oportunidad de aparecer en televisión.

Claro que, el final del episodio era mucho más ñoño que el del relato: Sammy Davis Jr. acaba hincando las  rodillas en el suelo, abrazando al huerfanito y prometiéndole que volverá a por él. “Todos los que estaban en el set de rodaje lloraron”, contaba Sammy. Ronald Reagan se acercó a él y le dijo que iba a ser un gran episodio.

Aún así la General Electric no las tenía todas consigo. Temía el impacto en el público más reaccionario. Hubo idas y venidas… parecía que no, pero al final el capítulo se emitió. Y los resultados fueron tan positivos que Sammy Davis Jr. apareció en otros dos capítulos de la serie.

Dos que cambiaron la televisión

El año siguiente Vonnegut publicó su segunda novela (“Las sirenas de Titán”), y diez años después escribió el libro por el que es más conocido y que yo, siempre que puedo, regalo a mis amigos.

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